El pasado viernes 18 de septiembre, pudimos asistir al pase gráfico que se celebró en el Teatro Calderón de Madrid, teatro donde se representarán las funciones de LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL desde el 24 de septiembre hasta el 29 de noviembre de 2026, con la representación de dos números musicales

Sebastián Prada, Director Asociado de la obra teatral LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL fue el encargado de realizar la presentación desgranando el contenido y la esencia de esta comedia musical: LA FAMILIA ADDAMS es un musical que lo que hace es reírse de los musicales como filosofía de la familia, primero, reírnos de nosotros mismos. Hay cantidad de referencias a distintos musicales a lo largo del espectáculo. Todo el tiempo se están haciendo bromas, guiños y referencias a distintos musicales y se invita a los espectadores a descubrir cuantas referencias y que musicales.

En el primer número musical representado durante el pase gráfico, se presentó a la Familia Addams al completo junto con los ancestros. «Los ancestros son estos personajes que les acompañan durante toda la obra y ayudan a contar esta historia». En el segundo número musical representado, se presentó a Miércoles enamorada que desde su habitación en la Mansión Addams cuenta lo que siente y como ha cambiado su forma de pensar, su forma de ver el mundo y a sus padres que la están escuchando desde el invernadero que tiene la casa en la planta baja.

«Este número musical es un momento clave en la obra ya que Miércoles no es la niña que hemos conocido sino que es la joven que ha descubierto la vida y al descubrir la vida se enamora». Pero que es el amor para la Familia Addams. Miércoles se encuentra totalmente perdida en esta sensación porque nunca la había sentido y es muy distinto a lo que una familia está acostumbrada a vivir entre sombras, depresión y el amor a su manera. Miércoles se ha enamorado de Lucas Beineke que es de una familia súper conservadora norteamericana y el problema surge en cómo juntar a las dos familias para que se lleven bien porque no solo están enamorados sino que se quieren casar.

Miércoles y Lucas intentan hablar con sus familias para que sean normales. En dos familias tan opuestas que es la normalidad y que es lo que puede suceder cuando estas familias se encuentran.

A partir de ahí comienza el espectáculo. Miércoles está enamorada. Nos invita a reflexionar sobre la importancia de aceptarnos a nosotros mismos. Habla de que es la normalidad que es lo que está bien y lo que está mal. A veces, lo que damos por hecho no es necesariamente lo correcto. Contado con mucho humor.

Un humor delirante. La gente va a reírse sin parar desde el inicio hasta el fin de la obra. LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL, muestra a Miércoles enamorada y no de cualquier criatura oscura y atormentada, sino de un chico absolutamente normal. Lo que en otra familia podría resolverse con una cena incómoda, en la familia Addams se convierte en una auténtica apocalipsis doméstica. La noticia sacude los nacimientos de la mansión y obliga a todos —vivos, muertos y orgullosamente excéntricos— a enfrentarse a algo mucho más inquietante que la oscuridad: la normalidad.

Porque, más allá del humor negro y las situaciones imposibles, la historia habla de algo profundamente reconocible: la familia, el amor adolescente y la necesidad —a veces desesperada— de ser aceptado tal y como uno es. Incluso si uno es un Addams. El elenco de actrices y actores está formado por Natalia Millán (Morticia), Javier Navares (Gómez), Cristina Picos (Miércoles), Javier Blázquez, Darío Moncloa y Nacho Aguado (Pugsley), Omar Calicchio (Tío Fétido), Amparo Saizar (Abuela), Javier Canales (Lurch), Pepa Lucas (Alicia Beineke), Javier Enguix (Mal Beineke) y Juan Antonio Plazas (Lucas Beineke).

El equipo creativo está formado Federico Bellone (Director), Julio Awad (Director Musical), Sebastián Prada (Director Asociado), M. José Santos de Dios (Coach Vocal), Marta Melchiorrre (Coreógrafa), Valerio Tiberi (Diseño Iluminación), Poti Martín (Diseño de Sonido) y Romeo Urbano (Adaptación al castellano del libreto).

En la representación de los números musicales hay que destacar la extraordinaria puesta en escena con efectos especiales de humos, iluminación, sonido y decorados especialmente la Mansión de la Familia Addams con un gran equipo técnico así como las excelentes interpretaciones de Natalia Millán (Morticia), Javier Navares (Gómez) y Cristina Picos (Miércoles), y la orquesta que la acompaña dirigida por Cosa, la inconfundible mano de esta familia tan especial.

La impresión de esta nueva comedia musical LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL, de la mano de LETSGO y BEON ENTERTAINMENT, promete una muy buena puesta en escena y desde LE JOURNAL DU FILM les deseamos un buen éxito en sus funciones. ¿Conseguirán Miércoles y Lucas la normalidad de ser aceptados en las dos familias?

Si quieres conocer una nueva historia de esta peculiar familia así como disfrutar de una divertida y delirante comedia musical muy poco convencional en familia, no te puedes perder este estreno en el Teatro Calderón de Madrid.

Artículo de Ramón Redondo

Dirigida por Alberto Utrera y ya viniendo con un pan debajo del brazo, obteniendo en el Festival de Cine de Comedia de Tarazona el Premio AECID del Jurado al Mejor Largometraje Iberoamericano como el Premio del Público.

Este film de 1h40 min que se pasan volando entre misterios y tonos cómicos te mantiene en vilo con unos giros de guion que ni el carrito de Correos de Vera, el personaje de Susana Abaitua, junto a ella está Lucas – para mi gusto de los mejores papeles de Maxi Iglesias– un profesor que no da abasto con la vida moderna pero que la quiere con locura conforman un tándem perfecto como equipo contra el mundo especialmente contra el de la vivienda.

Conformando así una pareja de jóvenes humildes trabajadores con ganas de comprarse una casa como fiel reflejo de casi cualquiera en la actualidad, dan por sorpresa con una oferta muy tentadora, 250.000€ por la casa de enfrente, pero con la condición de que sea en «Nuda Propiedad», es decir, cuando el dueño que habita en ella fallezca es cuando pasa a ser de ellos.

Un poco eclipsados con la brillante oferta, firman casi sin pensarlo un acuerdo que conlleva una curiosa pequeña letra, escrita y no escrita.

De repente se juntan las ganas de vivir ya en ella junto a que dentro de poco deben dejar su alquiler. ¿Qué puede ocurrir en este tiempo con el actual inquilino de la casa y hasta cuánto o donde eres capaz de esperar por entrar en ella? Vera estará al tanto cada día de lo que ocurre en la casa de enfrente porque para ella un hogar tiene un significado especial.

Un thriller con tonos de humor negro pero crítica real con la que sentiremos mucha cercanía con la situación actual nos hará acompañar a estos dos personajes como si lo estuviéramos viviendo de primera mano, muchas frustraciones y muchas ganas, ¿te suena?

También nos invita a pensar que a veces nos obsesionamos con algo que hay al final del camino, una meta, cueste lo que cueste, cuando, puede que en el camino vayamos cambiando de opinión… ¡Tienes cita con la inmobiliaria y estos dos muchachos el 2 de octubre en cines!

Puntuación 5/5

Crítica de Ruth Crespo

«TIEMPO DE VICTORIA» es un largometraje perteneciente a los géneros de thriller, bélico y drama, escrito por David Haig y Anthony Maras (Hotel Bombay) quien, también, lo ha dirigido.

«TIEMPO DE VICTORIA» narra la historia real desconocida que ocurrió durante la preparación del histórico desembarco de Normandía en las playas de Francia durante la Segunda Guerra Mundial que comienza cuando quedan 72 horas para el Día D y todo está listo salvo un elemento clave: el tiempo. El capitán James Stagg (Andrew Scott), jefe del servicio meteorológico británico, recibe el encargo de elaborar el pronóstico más trascendental de la historia. Unas condiciones climáticas adversas podrían arruinar la mayor invasión marítima jamás lanzada, mientras que cualquier retraso podría suponer que los servicios de inteligencia alemanes descubran sus intenciones. El general Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser) deberá tomar la decisión que determine el destino de la Segunda Guerra Mundial.

Completan el reparto la nominada al Oscar ® Kerry Condon (Almas en pena en Inisherin, F1: La película), Chris Messina (Air, Argo) y el ganador del Premio Emmy Damian Lewis («Homeland», «Billions»).

«TIEMPO DE VICTORIA» se estrenó con gran éxito de crítica y público en Estados Unidos a finales de mayo, superando las cifras de NÚREMBERG en su primer fin de semana en cartelera.

Es una película histórica con una parte real desconocida, hasta ahora, destinada al público adulto que pone en alza el valor de unos principios en situaciones de tensión y presiones con consecuencias imprevisibles, desarrollando la intriga de forma dosificada con un buen ritmo y que mantiene el interés del espectador en todo momento.

«TIEMPO DE VICTORIA» habla de plantar cara a la autoridad, de tener el valor de ser fiel a unos principios y de la importancia de la racionalidad en situaciones de enorme tensión. Está ambientada durante un conflicto bélico, pero esas emociones pueden trasladarse a lo que sentimos ante tener que tomar decisiones difíciles en cualquier momento vital».

Cuenta el cineasta Anthony Maras sobre las temáticas de la película. «Me quedé fascinado por esta historia. No había oído hablar de estos héroes olvidados ni del papel tan trascendental que desempeñaron para llevar a buen puerto la mayor invasión marítima de la historia» concluye.

Destaca las excelentes interpretaciones de Andrew Scott (ganador del BAFTA en 2012) en el personaje del capitán James Stagg y de Brendan Fraser (ganador del Oscar ®) en el personaje del general Dwight D. Eisenhower, la ambientación histórica, la fotografía, los efectos especiales así como la banda sonora que la acompaña a cargo de Volker Bertelmann.

¿Qué decisión tomará el general Dwight D. Eisenhower ante las adversidades meteorológicas pronosticadas por el capitán James Stagg? ¿Acertará el capitán James Stagg en su pronóstico meteorológico para el Día D?

Si quieres conocer esta desconocida historia real, no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el viernes 18 de septiembre.

VALORACIÓN: 4/5

Crítica de Ramón Redondo

«Resident Evil», dirigida por Zach Cregger, director de Barbarian y Weapons, y protagonizada por Austin Abrams, es la octava película de acción real de la saga y supone un nuevo reinicio, independiente de las historias anteriores. En el reparto también aparecen Zach Cherry, Kali Reis, Paul Walter Hauser y Johnno Wilson.

Bryan es un repartidor de material sanitario que recibe el encargo de transportar con urgencia un órgano hasta un destino bastante lejano. Durante el trayecto empiezan a ocurrir sucesos cada vez más extraños. En algunos momentos todo se vuelve tan absurdo que ni Bryan se cree lo que está viendo. Intenta convencerse de que lo habrá soñado o de que tiene que existir alguna explicación lógica. Pero claro, esto es «Resident Evil». Los zombis corren, cuesta muchísimo acabar con ellos y algunos adoptan formas completamente inverosímiles.

La película tiene bastante suspense y numerosos sobresaltos, y también hay momentos de risa, algo que no esperaba encontrar en una película de este tipo. Buena parte del humor está en las reacciones de Bryan, un mensajero que se encuentra con todo aquello sin entender qué está pasando y sin saber manejar armas. Tiene bastante coraje, y bien claro su objetivo: entregar el órgano por encima de todo. Se aferra a ese objetivo y continúa intentándolo incluso cuando empieza a sospechar que quizá no sobreviva.

La película te mantiene en tensión porque cada vez que parece que ya ha pasado lo peor, surge otro problema. Al verla tienes la sensación de estar dentro de un videojuego pasando niveles: Bryan consigue salir de una, avanza un poco y le toca enfrentarse a la siguiente. Aunque no aparecen los personajes más conocidos de los juegos, esa dinámica sí está muy presente.

Y cuando parece que todo puede acabar bien, llega un final muy de «Resident Evil» Creo que quienes siguen la saga disfrutarán esta nueva entrega. Yo, desde luego, no pude apartar la vista de la pantalla.

«Resident Evil» estreno en cines el 18 de septiembre.

Puntuación 4/5

Crítica de Yulia Barriga

«El ritual de Lily», dirigida por Manu Herrera, es una película española de terror que apuesta principalmente por el gore, la violencia y una ambientación con los rituales satánicos. La historia sigue a cuatro amigas que se reúnen en una casa aislada y terminan participando en un ritual que acaba convirtiéndose en una situación mucho más violenta de lo que esperaban, para todas y cada una.

A nivel visual, la película intenta llamar la atención con escenas bastante fuertes y con efectos de maquillaje y sangre bastante conseguidos. Se nota que hay un interés por el terror más explícito y por provocar una reacción fuerte en el espectador. Sin embargo, para mí, el problema es que la violencia termina teniendo más importancia que la propia historia y perdiéndonos mucho de contexto. Uno de los aspectos que menos me convenció fue el guion.

La película presenta una situación que podría haber dado bastante juego al principio, pero siento que no explica suficientemente la historia o razones de lo que ocurre ni desarrolla bien lo que está sucediendo. Muchas cosas ocurren de una manera bastante repentina y, en lugar de generar intriga, hacen que sea difícil conectar con la historia. El misterio debería hacer que el espectador quisiera saber más, pero en mi caso consiguió más bien que me preguntara qué estaba pasando y por qué y cierta reacción de estómago revuelto.

También me costó conectar con los personajes aunque hagan un papelazo cada una de ellas, especialmente «Lily» (Maggie García). Las protagonistas tienen personalidades bastante marcadas, pero no llegué a sentir que estuvieran realmente desarrolladas. Esto hace que, cuando empiezan a suceder las situaciones violentas, el impacto sea menor, porque no se ha conseguido crear una relación suficientemente fuerte entre los personajes y el espectador.

Creo que la película podría haber funcionado mejor si hubiese dedicado más tiempo a construir la historia y a explicar sus elementos sobrenaturales, en lugar de centrarse tanto en las escenas sangrientas. El gore puede ser un recurso interesante dentro del terror, pero por sí solo no consigue hacer que una película sea buena. Para que la violencia tenga verdadero impacto, creo que tiene que existir una historia detrás que consiga darle sentido y que podría haber dado mucho juego con la historia real de la primera mujer LILITH.

En cuanto a la ambientación, sí considero que hay algunos elementos interesantes. La casa aislada, el ambiente oscuro y la estética de la película ayudan a crear una sensación incómoda. También destacaría como dije antes el trabajo de maquillaje y los efectos, que son probablemente uno de los apartados más llamativos de la película.

En conclusión, «El ritual de Lily» me parece una película que tiene una propuesta interesante y algunos buenos recursos visuales, pero que no consigue desarrollarlos de una manera que resulte convincente. La violencia y el gore tienen demasiado protagonismo frente al guion y los personajes para lo poco que termina contando y creo que habría funcionado mucho mejor con una historia más desarrollada y unos personajes con los que fuese más fácil empatizar.

¡«El ritual de Lily» ya en cines!

Valoración personal: 2/5

Crítica de Ruth Crespo

Basada en la novela de la escritora Alice Hoffman, las actrices Sandra Bullock y Nicole Kidman, interpretan otra vez a las hermanas Sally, sus papeles de unas brujas que tras la muerte de sus padre son criadas por sus excéntricas tías (Stockard Channing y Dianne Wiest ) y que ahora deben de afrontar a la maldición lanzada por uno de sus antepasados y que condenaba a todos los hombres que se enamorasen de las mujeres que forman parte de la familia Owen a morir de manera trágica.

En esta ocasión es una de las hijas de Sally a la que le toca resistir a la maldición ya que su novio termina en coma tras sufrir un terrible accidente, ella hará todo lo posible por salvarlo, incluso viajara a Londres donde comenzó todo hacía mucho tiempo. No ha tenido mucho éxito la secuela en general y esta segunda parte sigue el mismo camino que la primera que se estrenó hace 28 años en 1998.

Es floja con poca magia y pocos efectos especiales que nos puedan sorprender. No deja por otra parte de ser entretenida para ver en familia. Podemos apreciar como el amor entre hermanas es incondicional y donde la familia está por encima de todo, se refuerzan valores importantes como la hermandad, la conexión y el amor entre hermanas, la fuerza, el poder de la familia, la maternidad, la pérdida, la aceptación de una misma, la valentía, el amor correspondido, el gran peso familiar o el sentimiento de pertenencia.

Donde los padres, en este caso una madre que no quiere magias ni brujerías, por proteger lo que más quiere, ósea sus hijas lo que consigue es lo contrario, desconfianza y distancia, pero al final como buena película familiar triunfa la sinceridad, el apego y donde la unión hace la fuerza para vencer al mal.

Se logra por lo tanto esa continuidad narrativa, es fiel a su primera parte abordando cuestiones que siguen estando presentes y sigue teniendo un mensaje importante hacia sus espectadores.

«Practicamente magia 2» ya en cines.

Puntuación 3/5

Crítica de Enri Sánchez

«Human Universe – The Experience», la primera expedición al interior del cuerpo humano en El Espacio Delicias y abrirá sus puertas desde el 11 de septiembre y propone un viaje por el organismo a través de más de 1000 metros cuadraros y seis salas de Realidad Virtual.

El experiencia incluye imágenes inmersivas en 3D, mapping, animación e interacción para descubrir de manera lúdica el cuerpo humano pero también con una base científica a través de un recorrido que alterna grandes espacios de contemplación inmersiva con otros en los que el visitante adquiere un papel activo. A través de pantallas y propuestas interactivas podrá explorar su propia anatomía, poner a prueba sus conocimientos y descubrir de forma directa algunos de los mecanismos que hacen posible la vida.

Ciencia y tecnología se ponen al servicio de una propuesta que busca despertar curiosidad y asombro, pero también una nueva mirada hacia nuestro propio organismo. «Human Universe – The Experience», combina entretenimiento, divulgación científica, arte y espectáculo visual en un recorrido de aproximadamente 70 minutos pensado para todos los públicos. Imágenes inmersivas en 3D, gafas de realidad virtual, mapping, animación e interacción recrean con hiperrealismo procesos y espacios del organismo que habitualmente permanecen ocultos a nuestros ojos. La exposición ha sido desarrollada por un equipo multidisciplinar de especialistas en anatomía, divulgadores científicos, guionistas, diseñadores y artistas 3D, que ha trabajado para trasladar el funcionamiento del cuerpo humano a un lenguaje visual, emocionante y comprensible. El rigor científico convive a lo largo del recorrido con recursos artísticos y narrativos que convierten el conocimiento en una experiencia sensorial.

Sin duda, es una apuesta visual espectacular y una experiencia inmersiva que merece la pena visitar desde este 11 de septiembre en Espacio Delicias de Madrid y las entradas están disponibles en humanuniverse.com.

Artículo de Iris Redondo Sánchez

«DULCE SABOR A MUERTE« (ICE CREAM MAN) es un largometraje perteneciente a los géneros de terror, thriller y comedia, escrito y dirigido por el cineasta Eli Roth (Hostel, Black Friday) quién, además, también interviene como actor.

«DULCE SABOR A MUERTE» narra la trágica y sangrienta historia que sucede un verano en un idílico y tranquilo pueblo vacacional llamado Bayleen Bay en el que se desencadenan una serie de sucesos atroces cuando un misterioso heladero (Ari Millen) desata una maldición que convierte a los niños en asesinos. Jared (Charlie Zeltzer) es el pequeño de una acomodada familia que tiene sus clásicas peleas de hermanos con su hermana mayor Lizzie (Sarah Abbout), que viven en una casa del pueblo junto a su madre Alison (Karen Cliche) y a su padre Marty (Eli Roth) quienes también tienen la oficina del prestigioso bufete de abogados Myfair & Sons que fundó su abuelo.

Jared se da cuenta de que algo extraño está pasando en el comportamiento de los niños que coincide con la llegada del misterioso heladero. Los adultos irán muriendo poco a poco de las maneras más brutales y macabras posibles pero Jared junto con sus amigos Mía (Kiora Mirza Waldman) y Tommy (Shiloh O´Reilly) lograrán escapar de este lobo con piel de cordero, buscarán refugio en la iglesia, deberán descubrir el origen y detenerlo con la ayuda del cura (Benjamin Byron Davis) antes de que finalice esta matanza.

La cinta promete tripas, desmadre y muchísima sangre, en tono de humor negro. Nos invita a explorar y reflexionar sobre cómo lo cotidiano puede transformarse en amenaza, utilizando elementos aparentemente inocentes y convirtiéndolos en armas letales.

Es una película de terror no apta para todos los públicos y destinada especialmente al público que les gusta este tipo de género con escenas de gran violencia, decapitaciones, vísceras y sangre que mantienen al espectador atento en todo momento a los hechos que se desarrollan sin conocer hasta el final los motivos que han desencadenado la brutal y despiadada matanza.

Destaca la crudeza y violencia de las muertes llevadas a cabo por los diferentes niños asesinos, la interpretación de los diferentes personajes de las niñas y niños, los efectos especiales, el humor negro, la intriga y los giros de guion consiguiendo un nivel de terror elevado que hace que sea una película especialmente apropiada para los amantes del género de terror así como la peculiar banda sonora que la acompaña a cargo de Brandon Roberts.

¿Cuál es el motivo que lleva al misterioso heladero a desatar la maldición de convertir a los niños en asesinos? ¿Conseguirán Jared, Mía y Tommy descubrir el origen y detenerlo antes de que finalice la matanza?

«DULCE SABOR A MUERTE«, recuerda a otras películas clásicas del género de terror como «¿Quién puede matar a un niño?» de Chicho Ibáñez Serrador o «El pueblo de los malditos» de Wolf Rilla.

Si quieres conocer el final de esta terrorífica historia, no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el viernes 4 de septiembre. ¡No te acerques mucho, que salpica!

VALORACIÓN: 3/5

Crítica de Ramón Redondo

«EL NIDO» es un largometraje perteneciente a los géneros de thriller y drama, escrito por Santiago Lallana, César de Nicolás y Hugo Stuven quién, además, también lo ha dirigido.

«EL NIDO» narra la historia de Marta (Michelle Jenner), una madre sobreprotectora, que vive obsesionada con proteger a su familia del aterrador mundo exterior y hará cualquier cosa por mantener a su familia a salvo. La norma a cumplir es muy sencilla: nadie puede salir del entorno de la casa, ese refugio que ella ha construido para protegerlos y para ello, mantiene encerrados en su casa a su madre Elena (Luisa Gavasa) y a su hijo pequeño Óscar (Dyla Radley).

Todo parece estar en orden hasta el día en que llega Velasco (Pablo Derqui), un hombre capaz de despertar en Marta la oscuridad que esconde dentro.

El rodaje de la cinta ha sido realizado durante seis semanas en diferentes localizaciones de Barcelona. La cinta se desarrolla en una cabaña dentro de un bosque apartado y muy bien ambientado en el que los hechos van transcurriendo con unas situaciones de tensión cargadas de violencia que van desvelando todo el origen que esconde Marta en su interior con un ritmo apropiado que mantiene la atención y la tensión de espectador en todo momento.

Es una película valiente destinada al público adulto que nos presenta una historia que tiene su origen en la experiencia vivida por una madre cuando era niña y, como consecuencia, le lleva a convertirse en sobreprotectora de su familia para evitar que se vuelvan a repetir los horrorosos hechos vividos y que nos invita a reflexionar sobre el grado de maldad de ciertos seres o alimañas que son capaces de secuestrar y abusar de niños indefensos e inocentes a los que les robarán su infancia dejándoles secuelas que arrastrarán durante toda la vida.

Destaca el guion con diferentes giros, la ambientación, la puesta en escena, la fotografía con su diferentes planos, las secuencias de violencia, los efectos especiales, y las excelentes interpretaciones de Michelle Jenner (‘El secreto del orfebre‘; nominada al Goya a la Mejor Actriz Revelación por ‘No tengas miedo‘) en el personaje de Marta, Luisa Gavasa (nominada al Goya a la Mejor Actriz de Reparto por ‘El maestro que prometió el mar’; ganadora del Goya a la Mejor Actriz de Reparto por ‘La novia’), en el personaje de Elena, la madre de Marta, Pablo Derqui (‘Los renglones torcidos de Dios’; ‘Dos‘) en el personaje de Velasco y el joven debutante Dylan Radley en el personaje de Óscar, el hijo pequeño de Marta así como la banda sonora que la acompaña a cargo de Vanessa Garde.

¿Qué motivos tiene Marta para haberse convertido en una madre sobreprotectora de su familia? ¿Qué oscuridad escondida dentro de Marta se despertará con la llegada de Velasco?

Si quieres conocer el final de este interesante y tenso thriller psicológico no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el viernes 11 de septiembre.

Puntuación 5/5

Crítica de Ramón Redondo

El pasado lunes 31 de agosto, tuvo lugar la presentación de los nuevos contenidos de RNE, la cadena más longeva que este año cumple noventa años y lo quiso celebrar con un montón de novedades que muy pronto podremos escuchar en las ondas de la radio.

Radio Nacional de España, busca ser una radio más fuerte, más cercana y más preparada para el futuro. Y consolida el proyecto que ya puso en marcha el año pasado y refuerza su señas de identidad a través de grandes comunicadores, nuevos perfiles de análisis y renovación tecnológica.

En la presentación de la temporada, Roberto Santamaría  el director de RNE recordó los tres pilares de su proyecto: “Primero, modificamos toda la programación”. “El segundo pilar son las redes sociales, para que los programas de Radio Nacional tengan mayor visibilidad”. “Y la tercera pata es la renovación tecnológica, porque hemos renovado los estudios de 101 y 102 y queda todavía mi sueño: renovar el primer estudio de radio visual de España, el Música 3”.Además, destacó el papel de los periodista que trabajando elaborando la información desde las distintas emisoras territoriales.

Durante la presentación escuchamos las voces de periodistas reconocidos como  Juan Ramón Lucas, que estará al frente de ‘Las Mañanas de RNE’ Carlos Nuñez, de ‘Mediodía en RNE’, David Cantero y Marta Solano, de ‘Las Tardes de RNE’,  Isabel Gemio, presentadora de ‘El último tren’, trae algunas novedades a un horario nocturno, Pepa Fernández, a punto de comenzar su 25ª temporada de ‘No es un día cualquiera’, Ángeles Caso, de ‘El Ojo Crítico’ del fin de semana defiende la cultura como “algo esencial en la vida. Yolanda Flores afronta la nueva temporada de ‘De película’, que “forma parte de todos”, porque “el cine es el reflejo de la vida”, entre otras voces de periodistas que forman parte de la cadena.

Además, en esta nueva temporada la radio destaca por la renovación tecnológica de los estudios, pues vendrá acompañada de uno de los hitos tecnológicos más importantes de los últimos años para Radio 1: la inauguración de los nuevos estudios 101 y 102 de la Casa de la Radio de Prado del Rey (Madrid). Se incorporará un avanzado sistema de cámaras de última generación que permitirá la emisión en streaming con calidad 4K, mejorando de forma significativa la experiencia audiovisual y multiplicando las posibilidades de producción de contenidos digitales.

Artículo de Iris Redondo Sánchez