Desde el 18 al 26 de septiembre, la 74ª edición del Festival de cine de San Sebastián abrió sus puertas a todo interesado en el tema. Eclipsados por la cara visible, esas grandes estrellas internacionales y nacionales, nos olvidamos que este Festival tiene más profundidad de lo que parece. Mueve friolera de 160.000 a 180.000 asistentes aproximadamente cada año. Pero cómo cualquier mortal queremos saber que se mueve entre sus aguas. Es aquí cuando empieza mi función.

Aquellos que tenemos el honor de llevar del cuello cordel de acreditado por el festival, no somos distintos de cualquier humano normal. Deambulamos perdidos buscando a otros acreditados como nosotros, pero de más alcurnia. Un estamento de clases que nunca terminas de comprender. La cosificación la carga hasta el propio Brad Pitt, un ya habituado en el tema. El miércoles 23 de Septiembre, presentó Heart of the Beast (2026), junto la productora de la película Olivia Hamilton y su director, David Ayer. Todas las preguntas eran destinadas al galán que a veces pasaba elegantemente a Ayer y Hamilton. Seguramente, Ayer, un experto en el género de acción y Hamilton, quién fue la que movió realmente el proyecto en sus inicios sabían soberanamente responder pero quién iba a perder la oportunidad de interactuar con Pitt. Sobre el
proyecto, se destacó la labor de Odín, el perro protagonista del film. Pitt, en su papel como productor, relató la problemática de EE.UU en levantar películas de mediano presupuesto en un mar de cine independiente y blockbuster.

Algo que un día después, repetiría Marion Cotillard en la presentación de Milo (2026), su nueva película que repite en su dirección con la directora Nicole García. Un drama sobre la maternidad, el activismo y la violencia. Cotillard debatía sobre el tema central del film: La violencia llama a la violencia. La violencia revolucionaria está incitada por otro tipo de violencia, una violencia por condición. Habló abiertamente sobre los nuevos modelos de visionado dentro de la industria y la IA: Creo que el cine tiene sus maneras de existir. Las películas peculiares tienen una mayor dificultad de salir. Pienso en Roma, yo tuve la oportunidad de verla en pantalla, soy amiga de Cuarón. Hubiera sido fantástico que otras personas lo hubieran disfrutado como yo. Aún así, también se puede disfrutar desde una pantalla más pequeña. Creo que gracias a las plataformas, esa películas peculiares, han podido salir a la luz. En lo referente a la IA, por ahora los actores hechos por IA actúan como patatas. Lo que les falta a estos actores son la experiencia de una vida. Tampoco encuentro el sentido lanzar todo lo creativo a la IA. Me da miedo que un actor hecho por IA me emocione.

Jesse Eisenberg, siempre original en sus formas, fue sólo a presentar su segundo largometraje: The debut (2026). Una comedia negra en el mundo del teatro comunitario con Julianne Moore y Paul Giamatti. Einsenberg relata como se inspiró en sus propias vivencias en los inicios de su carrera y cómo un teatro comunitario fue quién lo animó: Era tan tímido, un poco depresivo, no tenía apenas amigos y entonces, fui a un teatro comunitario y todo el mundo me acogió. Me decían, tu pelo es asombroso y eres muy gracioso, por favor, entra. Y entonces, entré en ese mundo alienígena donde todo el mundo era agradable. Sobre la elección de Moore como protagonista: Evidentemente, Moore es maravillosa pero elegí una mujer mayor porque considero que es emocionalmente más impactante ver a una mujer que ya ha pasado su vida y sabe que es su última oportunidad para cambiarla. Ajeno a The debut a Eisenberg se le preguntó sobre su no
participación en la secuela de La red social (2010), llamada The Social Reckoning, el cual aún no hay fecha de estreno. Este afirmó que aunque le encantó el trabajo que hizo con Aaron Sorkin y David Fincher, no volvería a ponerse en el papel de Mark Zuckerberg. No tengo redes, soy totalmente ajeno a ellas. Aunque la red social me tocó conocer mucho de ellas.

En el campo del documental, J.A. Bayona y Carlos Torres presentaron Más allá de la sociedad (2026) junto Eduardo Strauch, superviviente del accidente de los Andes, Estela Pérez del Castillo, familiar de una de las víctimas, Enzo Vogrincic, actor de la Sociedad de la Nieve (2023), y Belén Atienza y Sandra Hermida, productoras del proyecto. Más allá de la sociedad es una docuserie de 3 capítulos que trata los estragos de las familias de los implicados en el accidente. Sobre cómo se llegó a la conclusión de realizar un documental después de la película, Carlos Torres afirma: Teníamos mucha información ya haciendo la Sociedad. Nos dimos cuenta que nuestra historia comienza donde termina las demás. También teníamos un punto y final dentro de esa historia que es cómo el cine puede cambiar la memoria, la ficción puede impactar la realidad. Bayona habló sobre el proceso de dolor y cómo la ficción reunió ambas partes, los supervivientes y los familiares de los que no regresaron. El dolor es una cuestión muy subjetiva, el mismo hecho provocar mucho dolor en una persona y a la otra no. Yo creo que los procesos de duelo son todos comprensibles.

El punto interesante en esta historia es que puedo haber un acercamiento y que ese acercamiento fuera propiciado por la ficción. Gente que llevaba 50 años sin hablar sobre el tema fueran capaces de entenderse y abrazarse. Sorprendentemente, una obra pequeñita y sin grandes nombres fue quién se alzó con la ansiada Concha de oro a mejor película en esta 74ª edición: Tender Loving Care (2026). El director Mike Leigh nos cuenta la historia de Amy, una trabajadora social del servicio público de protección a la infancia, que regresa a vivir con su alegre mejor amiga, Rosie. Por su parte, Rosie, que trabaja como asistente social, se enfrenta a diario a la ira y el resentimiento de las personas a las que atiende. Leigh declaró que a sus 83 años de edad será su último film. Influenciada como otros por el glamour, dejé pasar la oportunidad de verla, aunque hubiera pases suficientes y asientos libres en los cines. Quizás no soy la persona idónea para dar lecciones de humildad. Aún así, no sigan mis pasos y vayan al cine a ver Tender Loving Care (2026).

Artículo y fotografías de Isabel Santiago Escudero

LA ISLA OLVIDADA (FORGOTTEN ISLAND) es un largometraje perteneciente a los géneros de animación, fantasía y aventuras escrito y dirigido por Joel Crawford, nominado al Oscar, junto a Januel Mercado.

En esta ocasión, los responsables de esta cinta son los famosos estudios de animación DreamWorks Animation, conocidos por sus grandes éxitos y sus enseñanzas como en que podía existir un vínculo inolvidable entre un chico y un dragón en Cómo entrenar a tu dragón, un ogro y un burro en Shrek, y un robot y un ganso en Robot salvaje.

LA ISLA OLVIDADA es una película que cuenta la historia de Jo y Raissa, dos mejores e inseparables amigas desde primaria que acaban de graduarse del instituto y ahora deben ir por caminos diferentes. En su última noche juntas, Jo y Raissa descubren un misterioso portal que las transporta a la fantástica isla de Nakali, poblada con numerosas criaturas mágicas y mitológicas que aparecían en las historias que les contaban sus familias filipinas.

Algunos de estos seres se convertirán en amigos y otros, en enemigos. Con el desafortunado, aunque bien intencionado, hombre perro Raww y un pequeño, pero fuerte grupo de amigos, Jo y Raissa lucharán contra la temida Manananggal, la criatura más aterradora de la isla. Cuando descubren que el recuerdo de su amistad es el precio que les permitirá regresar a casa, Jo y Raissa se lanzarán a una desenfrenada carrera para abandonar la isla antes de olvidarse para siempre.

Las voces de la versión original de los personajes principales están protagonizadas por la supernova H.E.R., premiada por los Grammy y los Oscar en el personaje de Jo, Liza Soberano (Lisa Frankenstein, Alone Together) en el personaje de Raissa, Dave Franco en el personaje de Raww, y la famosa cantante Lea Salonga, ganadora de un Tony en el personaje de Manananggal.

La producción corre a cargo de Mark Swift, también nominado al Oscar, quien ya colaboró con los directores en El gato con botas: El último deseo. Es una película de entretenimiento familiar asombrosa y emotiva apta para todos los públicos en la que destaca el guion, la imaginación, los personajes, la música, el colorido y
los efectos visuales de animación que nos invita a reflexionar sobre la importancia de los recuerdos y el valor de la verdadera amistad por encima de cualquier desencuentro.

¿Qué precio tendrán que pagar Jo y Raissa para poder abandonar la isla antes de olvidarse para siempre? ¿Luchará Raissa con todas sus fuerzas para no perder la amistad de su mejor amiga Jo?

Si quieres conocer como acaba esta historia de animación sobre el valor de la verdadera amistad no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el viernes 25 de septiembre.

Puntación 4/5

Crítica de Ramón Redondo

El pasado miércoles 16 de septiembre, asistimos a la representación teatral de SIX, EL MUSICAL en el teatro Gran Vía de Madrid en la que también pudimos contar con la presencia de sus autoras Toy Marlow y Lucy Moss que dedicaron unas palabras al público asistente.

La presentación de SIX, EL MUSICAL, corrió a cargo de Julia Gómez Cora (Productora de SIX, EL MUSICAL), quien relató el contenido del musical, el reconocimiento de sus premios, presentó a sus creadoras Toy Marlow y Lucy Moss, y especialmente el propósito del musical destacando de su intervención las siguientes palabras: «El Musical, tiene un propósito y es darle voz a unas mujeres que no la tuvieron». «Fueron muy valientes y muy originales al plantear ¿Qué pasaría si las seis mujeres de Enrique VIII, vivieran hoy y que dirían?» «Estas mujeres a las que les cortaron la cabeza hoy reviven para contarnos su historia y para contarnos que la historia siempre tiene dos lados.»

Tras conquistar Londres, Broadway y a millones de espectadores en todo el mundo, llega SIX, EL MUSICAL, a Madrid un nuevo reinado por primera vez y solo por una temporada limitada hasta el 8 de noviembre de 2026.

SIX, EL MUSICAL es una electrizante reinterpretación de las vidas de las seis reinas Tudor que te hará perder la cabeza. Las seis ex-esposas del famoso monarca inglés Enrique VIII – Catalina de Aragón, Ana Bolena, Juana Seymour, Ana de Cléveris, Catalina Howard y Catalina Parr, reimaginadas como una girl band, compiten entre ellas en una batalla musical para decidir quién recibió el peor trato por parte de su ex-marido.

El resultado: un concurso de divas con solos y números grupales deslumbrantes. A golpe de micrófono y con números llenos de ritmo, ironía y carisma, las reinas de SIX toman el escenario para recuperar sus coronas y reescribir su historia.

SIX, EL MUSICAL, en pocos años, ha pasado de ser una pequeña producción de festival a convertirse en un fenómeno musical internacional e instalarse como icono en la cultura pop. Fue creado por Toby Marlow y Lucy Moss cuando tenían solo 21 años en Cambridge, debutó en el Festival de Edimburgo en 2017 y rápidamente conquistó el West End. Desde entonces, no ha dejado de crecer, con miles de millones de reproducciones y reconocimiento internacional, incluyendo múltiples premios y dos premios Tony por Mejor Música y Mejor Vestuario.

Vibrante, irreverente y absolutamente adictivo, SIX es mucho más que un musical: es una celebración, un concierto de divas, un espectáculo pop histórico que reescribe la historia. Cada reina se reinventa con el espíritu de grandes iconos contemporáneos: de la fuerza escénica de Beyoncé a la irreverencia de Avril Lavigne, pasando por la emoción de Adele, la actitud de Nicki Minaj, el mangnetismo de Britney Spears y el talento de Alicia Keys. Acompañadas por una banda en vivo formada íntegramente por mujeres que potencia cada momento, las seis reinas brillan como auténticas estrellas del pop.

El elenco de actrices está formado por Clara Lanzani (Catalina de Aragón), Udara Zubillaga (Ana Bolena), Beatriz Santana (Juana Seymour), Liz Tatis (Ana de Cléveris), Arianna Galletti (Catalina Howard) y Alba Egilo (Catalina Parr). La banda musical está formada por las damas de compañía Sofía Kherroubi (Directora Musical), Emma Weil (Guitarra), Mónica Vicente (Batería), Iranzu García (Bajo) y Mireia Federico (Directora Musical Asistente).

El equipo creativo está formado por Ucy Moss y Jaime Armitage (Dirección), Carrie-Anne Ingrouille (Coreografía), Emma Bailey (Diseño de Escenografía), Gabriella Slade (Diseño de Vestuario), Tim Deiling (Diseño de Iluminación), Paul GateHouse (Diseño de Sonido), Tom Curran (Orquestación) y Joe Beighton (Supervisor Musical Internacional).

El equipo creativo de SIX MADRID está formado por Lindsay Mcallister (Directora Asociada), Nicole Bondzie (Coreógrafa Asociada), Jennifer Deacon-Say (Supervisora Musical Asociada), Jaimie Todd (Diseñador de Escenografía Asociado), Justín Allín (Supervisor de Vestuario), Phoebe Brazier (Supervisora de Caracterización), Charlie Smith (Diseñador de Sonido Asociado), Gara Dora (Directora Residente) y Davinia Tornero Lorenzo (Coreógrafa Residente).

Los productores ejecutivos son Vadim Ordovsky-Tanaevsky y Mariana Gómez Cora. Los productores originales son Kenny Wax, Wendy & Andy Barnes y George Stiles. Los productores son Julia Gómez Cora y Dmitry Bogachev.

La representación se desarrolla en un único escenario en el que se encuentra la banda en directo y juega con la iluminación para crear diferentes ambientes. Destaca por su agradable música, coreografía variada y sincronizada, vestuarios modernos con tintes clásicos, iluminación apropiada para diferentes momentos musicales, guion original y atrevido, diálogos extensos pero bien ejecutados, voces bien entonadas y sonido de concierto apropiado para la sala del teatro así como las excelentes interpretaciones de sus seis reinas protagonistas.

SIX, EL MUSICAL es una obra destinada a un público mayor de nueve años de edad, ágil, dinámica y atrevida dónde podrás disfrutar de un buen concierto musical siendo nuestra valoración muy buena y desde LE JOURNAL DU FILM les deseamos que continúen acumulando éxitos en sus funciones durante su reinado en Madrid. ¿Conseguirán las reinas recuperar sus coronas y reescribir su historia?

Si quieres conocer la reinterpretación electrizante de la historia de seis mujeres reinas con este musical y te atreves a perder la cabeza, no te puedes perder este estreno en el Teatro Gran Vía de Madrid.

Artículo de Ramón Redondo

El pasado viernes 18 de septiembre, pudimos asistir al pase gráfico que se celebró en el Teatro Calderón de Madrid, teatro donde se representarán las funciones de LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL desde el 24 de septiembre hasta el 29 de noviembre de 2026, con la representación de dos números musicales

Sebastián Prada, Director Asociado de la obra teatral LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL fue el encargado de realizar la presentación desgranando el contenido y la esencia de esta comedia musical: LA FAMILIA ADDAMS es un musical que lo que hace es reírse de los musicales como filosofía de la familia, primero, reírnos de nosotros mismos. Hay cantidad de referencias a distintos musicales a lo largo del espectáculo. Todo el tiempo se están haciendo bromas, guiños y referencias a distintos musicales y se invita a los espectadores a descubrir cuantas referencias y que musicales.

En el primer número musical representado durante el pase gráfico, se presentó a la Familia Addams al completo junto con los ancestros. «Los ancestros son estos personajes que les acompañan durante toda la obra y ayudan a contar esta historia». En el segundo número musical representado, se presentó a Miércoles enamorada que desde su habitación en la Mansión Addams cuenta lo que siente y como ha cambiado su forma de pensar, su forma de ver el mundo y a sus padres que la están escuchando desde el invernadero que tiene la casa en la planta baja.

«Este número musical es un momento clave en la obra ya que Miércoles no es la niña que hemos conocido sino que es la joven que ha descubierto la vida y al descubrir la vida se enamora». Pero que es el amor para la Familia Addams. Miércoles se encuentra totalmente perdida en esta sensación porque nunca la había sentido y es muy distinto a lo que una familia está acostumbrada a vivir entre sombras, depresión y el amor a su manera. Miércoles se ha enamorado de Lucas Beineke que es de una familia súper conservadora norteamericana y el problema surge en cómo juntar a las dos familias para que se lleven bien porque no solo están enamorados sino que se quieren casar.

Miércoles y Lucas intentan hablar con sus familias para que sean normales. En dos familias tan opuestas que es la normalidad y que es lo que puede suceder cuando estas familias se encuentran.

A partir de ahí comienza el espectáculo. Miércoles está enamorada. Nos invita a reflexionar sobre la importancia de aceptarnos a nosotros mismos. Habla de que es la normalidad que es lo que está bien y lo que está mal. A veces, lo que damos por hecho no es necesariamente lo correcto. Contado con mucho humor.

Un humor delirante. La gente va a reírse sin parar desde el inicio hasta el fin de la obra. LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL, muestra a Miércoles enamorada y no de cualquier criatura oscura y atormentada, sino de un chico absolutamente normal. Lo que en otra familia podría resolverse con una cena incómoda, en la familia Addams se convierte en una auténtica apocalipsis doméstica. La noticia sacude los nacimientos de la mansión y obliga a todos —vivos, muertos y orgullosamente excéntricos— a enfrentarse a algo mucho más inquietante que la oscuridad: la normalidad.

Porque, más allá del humor negro y las situaciones imposibles, la historia habla de algo profundamente reconocible: la familia, el amor adolescente y la necesidad —a veces desesperada— de ser aceptado tal y como uno es. Incluso si uno es un Addams. El elenco de actrices y actores está formado por Natalia Millán (Morticia), Javier Navares (Gómez), Cristina Picos (Miércoles), Javier Blázquez, Darío Moncloa y Nacho Aguado (Pugsley), Omar Calicchio (Tío Fétido), Amparo Saizar (Abuela), Javier Canales (Lurch), Pepa Lucas (Alicia Beineke), Javier Enguix (Mal Beineke) y Juan Antonio Plazas (Lucas Beineke).

El equipo creativo está formado Federico Bellone (Director), Julio Awad (Director Musical), Sebastián Prada (Director Asociado), M. José Santos de Dios (Coach Vocal), Marta Melchiorrre (Coreógrafa), Valerio Tiberi (Diseño Iluminación), Poti Martín (Diseño de Sonido) y Romeo Urbano (Adaptación al castellano del libreto).

En la representación de los números musicales hay que destacar la extraordinaria puesta en escena con efectos especiales de humos, iluminación, sonido y decorados especialmente la Mansión de la Familia Addams con un gran equipo técnico así como las excelentes interpretaciones de Natalia Millán (Morticia), Javier Navares (Gómez) y Cristina Picos (Miércoles), y la orquesta que la acompaña dirigida por Cosa, la inconfundible mano de esta familia tan especial.

La impresión de esta nueva comedia musical LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL, de la mano de LETSGO y BEON ENTERTAINMENT, promete una muy buena puesta en escena y desde LE JOURNAL DU FILM les deseamos un buen éxito en sus funciones. ¿Conseguirán Miércoles y Lucas la normalidad de ser aceptados en las dos familias?

Si quieres conocer una nueva historia de esta peculiar familia así como disfrutar de una divertida y delirante comedia musical muy poco convencional en familia, no te puedes perder este estreno en el Teatro Calderón de Madrid.

Artículo de Ramón Redondo

Dirigida por Alberto Utrera y ya viniendo con un pan debajo del brazo, obteniendo en el Festival de Cine de Comedia de Tarazona el Premio AECID del Jurado al Mejor Largometraje Iberoamericano como el Premio del Público.

Este film de 1h40 min que se pasan volando entre misterios y tonos cómicos te mantiene en vilo con unos giros de guion que ni el carrito de Correos de Vera, el personaje de Susana Abaitua, junto a ella está Lucas – para mi gusto de los mejores papeles de Maxi Iglesias– un profesor que no da abasto con la vida moderna pero que la quiere con locura conforman un tándem perfecto como equipo contra el mundo especialmente contra el de la vivienda.

Conformando así una pareja de jóvenes humildes trabajadores con ganas de comprarse una casa como fiel reflejo de casi cualquiera en la actualidad, dan por sorpresa con una oferta muy tentadora, 250.000€ por la casa de enfrente, pero con la condición de que sea en «Nuda Propiedad», es decir, cuando el dueño que habita en ella fallezca es cuando pasa a ser de ellos.

Un poco eclipsados con la brillante oferta, firman casi sin pensarlo un acuerdo que conlleva una curiosa pequeña letra, escrita y no escrita.

De repente se juntan las ganas de vivir ya en ella junto a que dentro de poco deben dejar su alquiler. ¿Qué puede ocurrir en este tiempo con el actual inquilino de la casa y hasta cuánto o donde eres capaz de esperar por entrar en ella? Vera estará al tanto cada día de lo que ocurre en la casa de enfrente porque para ella un hogar tiene un significado especial.

Un thriller con tonos de humor negro pero crítica real con la que sentiremos mucha cercanía con la situación actual nos hará acompañar a estos dos personajes como si lo estuviéramos viviendo de primera mano, muchas frustraciones y muchas ganas, ¿te suena?

También nos invita a pensar que a veces nos obsesionamos con algo que hay al final del camino, una meta, cueste lo que cueste, cuando, puede que en el camino vayamos cambiando de opinión… ¡Tienes cita con la inmobiliaria y estos dos muchachos el 2 de octubre en cines!

Puntuación 5/5

Crítica de Ruth Crespo

«TIEMPO DE VICTORIA» es un largometraje perteneciente a los géneros de thriller, bélico y drama, escrito por David Haig y Anthony Maras (Hotel Bombay) quien, también, lo ha dirigido.

«TIEMPO DE VICTORIA» narra la historia real desconocida que ocurrió durante la preparación del histórico desembarco de Normandía en las playas de Francia durante la Segunda Guerra Mundial que comienza cuando quedan 72 horas para el Día D y todo está listo salvo un elemento clave: el tiempo. El capitán James Stagg (Andrew Scott), jefe del servicio meteorológico británico, recibe el encargo de elaborar el pronóstico más trascendental de la historia. Unas condiciones climáticas adversas podrían arruinar la mayor invasión marítima jamás lanzada, mientras que cualquier retraso podría suponer que los servicios de inteligencia alemanes descubran sus intenciones. El general Dwight D. Eisenhower (Brendan Fraser) deberá tomar la decisión que determine el destino de la Segunda Guerra Mundial.

Completan el reparto la nominada al Oscar ® Kerry Condon (Almas en pena en Inisherin, F1: La película), Chris Messina (Air, Argo) y el ganador del Premio Emmy Damian Lewis («Homeland», «Billions»).

«TIEMPO DE VICTORIA» se estrenó con gran éxito de crítica y público en Estados Unidos a finales de mayo, superando las cifras de NÚREMBERG en su primer fin de semana en cartelera.

Es una película histórica con una parte real desconocida, hasta ahora, destinada al público adulto que pone en alza el valor de unos principios en situaciones de tensión y presiones con consecuencias imprevisibles, desarrollando la intriga de forma dosificada con un buen ritmo y que mantiene el interés del espectador en todo momento.

«TIEMPO DE VICTORIA» habla de plantar cara a la autoridad, de tener el valor de ser fiel a unos principios y de la importancia de la racionalidad en situaciones de enorme tensión. Está ambientada durante un conflicto bélico, pero esas emociones pueden trasladarse a lo que sentimos ante tener que tomar decisiones difíciles en cualquier momento vital».

Cuenta el cineasta Anthony Maras sobre las temáticas de la película. «Me quedé fascinado por esta historia. No había oído hablar de estos héroes olvidados ni del papel tan trascendental que desempeñaron para llevar a buen puerto la mayor invasión marítima de la historia» concluye.

Destaca las excelentes interpretaciones de Andrew Scott (ganador del BAFTA en 2012) en el personaje del capitán James Stagg y de Brendan Fraser (ganador del Oscar ®) en el personaje del general Dwight D. Eisenhower, la ambientación histórica, la fotografía, los efectos especiales así como la banda sonora que la acompaña a cargo de Volker Bertelmann.

¿Qué decisión tomará el general Dwight D. Eisenhower ante las adversidades meteorológicas pronosticadas por el capitán James Stagg? ¿Acertará el capitán James Stagg en su pronóstico meteorológico para el Día D?

Si quieres conocer esta desconocida historia real, no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el viernes 18 de septiembre.

VALORACIÓN: 4/5

Crítica de Ramón Redondo

«Resident Evil», dirigida por Zach Cregger, director de Barbarian y Weapons, y protagonizada por Austin Abrams, es la octava película de acción real de la saga y supone un nuevo reinicio, independiente de las historias anteriores. En el reparto también aparecen Zach Cherry, Kali Reis, Paul Walter Hauser y Johnno Wilson.

Bryan es un repartidor de material sanitario que recibe el encargo de transportar con urgencia un órgano hasta un destino bastante lejano. Durante el trayecto empiezan a ocurrir sucesos cada vez más extraños. En algunos momentos todo se vuelve tan absurdo que ni Bryan se cree lo que está viendo. Intenta convencerse de que lo habrá soñado o de que tiene que existir alguna explicación lógica. Pero claro, esto es «Resident Evil». Los zombis corren, cuesta muchísimo acabar con ellos y algunos adoptan formas completamente inverosímiles.

La película tiene bastante suspense y numerosos sobresaltos, y también hay momentos de risa, algo que no esperaba encontrar en una película de este tipo. Buena parte del humor está en las reacciones de Bryan, un mensajero que se encuentra con todo aquello sin entender qué está pasando y sin saber manejar armas. Tiene bastante coraje, y bien claro su objetivo: entregar el órgano por encima de todo. Se aferra a ese objetivo y continúa intentándolo incluso cuando empieza a sospechar que quizá no sobreviva.

La película te mantiene en tensión porque cada vez que parece que ya ha pasado lo peor, surge otro problema. Al verla tienes la sensación de estar dentro de un videojuego pasando niveles: Bryan consigue salir de una, avanza un poco y le toca enfrentarse a la siguiente. Aunque no aparecen los personajes más conocidos de los juegos, esa dinámica sí está muy presente.

Y cuando parece que todo puede acabar bien, llega un final muy de «Resident Evil» Creo que quienes siguen la saga disfrutarán esta nueva entrega. Yo, desde luego, no pude apartar la vista de la pantalla.

«Resident Evil» estreno en cines el 18 de septiembre.

Puntuación 4/5

Crítica de Yulia Barriga

«El ritual de Lily», dirigida por Manu Herrera, es una película española de terror que apuesta principalmente por el gore, la violencia y una ambientación con los rituales satánicos. La historia sigue a cuatro amigas que se reúnen en una casa aislada y terminan participando en un ritual que acaba convirtiéndose en una situación mucho más violenta de lo que esperaban, para todas y cada una.

A nivel visual, la película intenta llamar la atención con escenas bastante fuertes y con efectos de maquillaje y sangre bastante conseguidos. Se nota que hay un interés por el terror más explícito y por provocar una reacción fuerte en el espectador. Sin embargo, para mí, el problema es que la violencia termina teniendo más importancia que la propia historia y perdiéndonos mucho de contexto. Uno de los aspectos que menos me convenció fue el guion.

La película presenta una situación que podría haber dado bastante juego al principio, pero siento que no explica suficientemente la historia o razones de lo que ocurre ni desarrolla bien lo que está sucediendo. Muchas cosas ocurren de una manera bastante repentina y, en lugar de generar intriga, hacen que sea difícil conectar con la historia. El misterio debería hacer que el espectador quisiera saber más, pero en mi caso consiguió más bien que me preguntara qué estaba pasando y por qué y cierta reacción de estómago revuelto.

También me costó conectar con los personajes aunque hagan un papelazo cada una de ellas, especialmente «Lily» (Maggie García). Las protagonistas tienen personalidades bastante marcadas, pero no llegué a sentir que estuvieran realmente desarrolladas. Esto hace que, cuando empiezan a suceder las situaciones violentas, el impacto sea menor, porque no se ha conseguido crear una relación suficientemente fuerte entre los personajes y el espectador.

Creo que la película podría haber funcionado mejor si hubiese dedicado más tiempo a construir la historia y a explicar sus elementos sobrenaturales, en lugar de centrarse tanto en las escenas sangrientas. El gore puede ser un recurso interesante dentro del terror, pero por sí solo no consigue hacer que una película sea buena. Para que la violencia tenga verdadero impacto, creo que tiene que existir una historia detrás que consiga darle sentido y que podría haber dado mucho juego con la historia real de la primera mujer LILITH.

En cuanto a la ambientación, sí considero que hay algunos elementos interesantes. La casa aislada, el ambiente oscuro y la estética de la película ayudan a crear una sensación incómoda. También destacaría como dije antes el trabajo de maquillaje y los efectos, que son probablemente uno de los apartados más llamativos de la película.

En conclusión, «El ritual de Lily» me parece una película que tiene una propuesta interesante y algunos buenos recursos visuales, pero que no consigue desarrollarlos de una manera que resulte convincente. La violencia y el gore tienen demasiado protagonismo frente al guion y los personajes para lo poco que termina contando y creo que habría funcionado mucho mejor con una historia más desarrollada y unos personajes con los que fuese más fácil empatizar.

¡«El ritual de Lily» ya en cines!

Valoración personal: 2/5

Crítica de Ruth Crespo

Basada en la novela de la escritora Alice Hoffman, las actrices Sandra Bullock y Nicole Kidman, interpretan otra vez a las hermanas Sally, sus papeles de unas brujas que tras la muerte de sus padre son criadas por sus excéntricas tías (Stockard Channing y Dianne Wiest ) y que ahora deben de afrontar a la maldición lanzada por uno de sus antepasados y que condenaba a todos los hombres que se enamorasen de las mujeres que forman parte de la familia Owen a morir de manera trágica.

En esta ocasión es una de las hijas de Sally a la que le toca resistir a la maldición ya que su novio termina en coma tras sufrir un terrible accidente, ella hará todo lo posible por salvarlo, incluso viajara a Londres donde comenzó todo hacía mucho tiempo. No ha tenido mucho éxito la secuela en general y esta segunda parte sigue el mismo camino que la primera que se estrenó hace 28 años en 1998.

Es floja con poca magia y pocos efectos especiales que nos puedan sorprender. No deja por otra parte de ser entretenida para ver en familia. Podemos apreciar como el amor entre hermanas es incondicional y donde la familia está por encima de todo, se refuerzan valores importantes como la hermandad, la conexión y el amor entre hermanas, la fuerza, el poder de la familia, la maternidad, la pérdida, la aceptación de una misma, la valentía, el amor correspondido, el gran peso familiar o el sentimiento de pertenencia.

Donde los padres, en este caso una madre que no quiere magias ni brujerías, por proteger lo que más quiere, ósea sus hijas lo que consigue es lo contrario, desconfianza y distancia, pero al final como buena película familiar triunfa la sinceridad, el apego y donde la unión hace la fuerza para vencer al mal.

Se logra por lo tanto esa continuidad narrativa, es fiel a su primera parte abordando cuestiones que siguen estando presentes y sigue teniendo un mensaje importante hacia sus espectadores.

«Practicamente magia 2» ya en cines.

Puntuación 3/5

Crítica de Enri Sánchez

«Human Universe – The Experience», la primera expedición al interior del cuerpo humano en El Espacio Delicias y abrirá sus puertas desde el 11 de septiembre y propone un viaje por el organismo a través de más de 1000 metros cuadraros y seis salas de Realidad Virtual.

El experiencia incluye imágenes inmersivas en 3D, mapping, animación e interacción para descubrir de manera lúdica el cuerpo humano pero también con una base científica a través de un recorrido que alterna grandes espacios de contemplación inmersiva con otros en los que el visitante adquiere un papel activo. A través de pantallas y propuestas interactivas podrá explorar su propia anatomía, poner a prueba sus conocimientos y descubrir de forma directa algunos de los mecanismos que hacen posible la vida.

Ciencia y tecnología se ponen al servicio de una propuesta que busca despertar curiosidad y asombro, pero también una nueva mirada hacia nuestro propio organismo. «Human Universe – The Experience», combina entretenimiento, divulgación científica, arte y espectáculo visual en un recorrido de aproximadamente 70 minutos pensado para todos los públicos. Imágenes inmersivas en 3D, gafas de realidad virtual, mapping, animación e interacción recrean con hiperrealismo procesos y espacios del organismo que habitualmente permanecen ocultos a nuestros ojos. La exposición ha sido desarrollada por un equipo multidisciplinar de especialistas en anatomía, divulgadores científicos, guionistas, diseñadores y artistas 3D, que ha trabajado para trasladar el funcionamiento del cuerpo humano a un lenguaje visual, emocionante y comprensible. El rigor científico convive a lo largo del recorrido con recursos artísticos y narrativos que convierten el conocimiento en una experiencia sensorial.

Sin duda, es una apuesta visual espectacular y una experiencia inmersiva que merece la pena visitar desde este 11 de septiembre en Espacio Delicias de Madrid y las entradas están disponibles en humanuniverse.com.

Artículo de Iris Redondo Sánchez