«RAMAYANA: EL NACIMIENTO DE UNA LEYENDA» del director Nitesh Tiwari, con guion de Namit Malhotra, Shridhar Raghavan y música de Hans Zimmer y A.R. Rahman, llega la coproducción entre India y Reino Unido.

Con un elenco de importantes actores y actrices como Ranbir Kapoor , Rakul Preet Singh, Lara Dutta, Sheeba Chaddha, Kunal Kapoor, Ravi Dubey, Arun Govil, Indira Krishnan nos cuenta la leyenda de Rama, dios Hindú, es una de las más populares en la cultura India.

Rama es el séptimo avatar de Visnú, su historia empieza con la llegada a la edad adulta de Rama y su matrimonio con la princesa Sita, juntos inician una vida donde el deber y el sacrificio está por encima del deseo y su propia persona.

Su legado sigue mejorando y fortaleciendo a la humanidad a lo largo del tiempo y aportando la creencia en la bondad del espíritu humano para resolver todos los conflictos y traer la paz al mundo. Pero su vida cambia drásticamente cuando el rey Rávana rapta a Sita llevándola a la isla de Lanka. Y aquí termia esta primera parte de la película que se estrena en España en cines el 06 de Noviembre de 2026. Esperemos que haya una segunda parte donde veamos el desenlace de la leyenda de Rama y Sita.

Y qué decir del despliegue de fantasía, de color, alegría, vitalidad que desprende la película y efectos visuales creados por DNEG, la compañía de efectos visuales galardonada con ocho premios Oscar. Con grandes números musicales, combates y batallas, águilas que hablan, bodas indias fastuosas, maquinas voladoras y magia hace que cualquier espectador no pierda la atención durante las tres horas y cuarto que dura la proyección de la versión original.

Es entretenida y te arrastra la energía de ‘Ramayana: El nacimiento de una leyenda’, sobre todo porque la fastuosa banda sonora de A. R. Rahman y Hans Zimmer evoca el magnificencia que necesita una historia de esta envergadura. Ni que decir tiene la comparativa entre dos mundos completamente opuestos la bondad, el bien común, la comprensión y la calma de Rama ante el egoísmo, despotismo y crueldad de Rávana.

Dos mundos encontrados que desembarcan en la filosofía Hindú, la meditación de Rama frente a la impetuosidad de Rávana, la bondad frente la maldad, la sinceridad y el compromiso frente la mentira y el engaño. Un aprendizaje que se hace a lo largo de la vida y que desencadena consecuencias dependiendo lo que hagas, marcando el futuro de tu propia vida y de quienes te rodean.

Puntuación: 4/5

Crítica de Enri Sánchez

Hablamos con los protagonistas e integrantes del grupo musical Mägo de Oz y los productores de la película «Fiesta Pägana», una película de ficción inspirada en la historia de Mägo de Oz. Un emocionante drama musical lleno de humor, aventuras, conflictos y pasión que nos descubre el precio del éxito cuando se apagan los focos y cuya historia sobre la amistad, los sueños y todo aquello que estamos dispuestos a arriesgar para hacerlos realidad, que emocionará tanto a quienes han cantado sus himnos durante décadas como a quienes simplemente disfrutan de una gran película.

Una historia sobre la amistad, los sueños y todo aquello que estamos dispuestos a arriesgar para hacerlos realidad, que emocionará tanto a quienes han cantado sus himnos durante décadas como a quienes simplemente disfrutan de una gran película.

Entrevistas y fotografías realizadas por Adolfo Lorenzo y NEVIS

«George Michael: The Faith tour« (2026), dirigido por Mary McCartney, nos acerca a George Michael en la época de su primer álbum en solitario, Faith, su primer álbum en solitario después de la separación del dúo “Wham!”. La película dura unos 114 minutos y presenta los dos conciertos de George Michael en París en 1988. Faith significa «fe», y el cantante habla de su significado en los fragmentos inéditos de una entrevista con Tony Parsons. También aparecen fotografías nunca antes vistas del artista tomadas por Herb Ritts.

Eran otros tiempos, y se nota en la estética y en la puesta en escena. Y ahí estaba George: joven, carismático, enérgico. Guapísimo, muy fotogénico, con un cuerpo espectacular y un encanto tremendo. Se movía de maravilla: algunos gestos me recordaban a Elvis; otros tenían esos pasos que asocio con los ochenta y los noventa. Y qué voz. Impresionante. Había muchos menos efectos especiales que hoy, pero tampoco le hacían falta. Ese chico se bastaba para encender el escenario.

Las imágenes se rodaron durante dos noches en París y se notan pequeños detalles de continuidad, como una manga que en un plano dejaba el codo al descubierto y en otro lo cubría un poco. Sin embargo, son minucias comparadas con su carisma.

Además de sus canciones, interpretó temas de otros artistas. Algunas no las conocía, porque lo sitúo más en la generación de mi padre que en la mía. Otras las había escuchado desde pequeña y me ponían la piel de gallina.

En estos conciertos, George Michael es todo un joven seductor, con sus letras sobre amor, deseo y su manera de moverse. Lo recomiendo muchísimo a todos sus fans. Incluso en una grabación, merece la pena verlo. Fue muy, muy emocionante. ¡Me habría encantado verlo en vivo y en directo!

«George Michael: The Faith tour« en cines el 6 de noviembre.

Puntuación: 4/5

Crítica de Yulia Barriga

Monster High da un nuevo giro a su universo con la llegada de las nuevas brujas de la nueva escuela de magia, una colección que sumerge a los fans en un universo de hechizos y misterio, donde cada bruja tiene sus propios poderes y personalidad.

Con motivo del lanzamiento de esta nueva colección el pasado 27 de octubre, Madrid acogió un encuentro inspirado en el mundo de la magia y los hechizos, en el que los asistentes pudieron sumergirse en una experiencia llena de misterio, creatividad diversión. Durante el evento los invitados pudieron disfrutar de diferentes actividades inspiradas en la nueva escuela de brujas.

Algunas de las actividades y experiencias que se pudieron realizar fue una lectura del tarot para descubrir las posibilidades que esconde el futuro, sesiones de maquillaje face art para explorar la creatividad y sacar a relucir el lado más fantástico de cada participante, y un taller de pociones en el que pudieron jugar con las esencias más mágicas para crear su propio perfume único.

Sin duda, una original propuesta que invitó a explorar nuevas formas de expresión y creatividad a través de experiencias sensoriales e interactivas. Y al final de la jornada a todos los invitados nos regalaron una muñeca Monster High que nos hizo mucha ilusión.

Esta nueva colección de muñecas Moonspell Magic, tiene como protagonistas a cinco brujas muy especiales:

● Willow Thorne, la Bruja de la Naturaleza, conecta con el mundo natural y prepara pociones curativas para ayudar a las plantas a florecer. Aunque tiene discapacidad auditiva y utiliza un audífono, un dispositivo que le ayuda a escuchar, eso no le impide desarrollar sus poderes ni comunicarse con la naturaleza.
● Carina Song, la Bruja del Amor, utiliza la magia de la amistad y el amor propio para ayudar a los demás a descubrir su brillo interior, creando perfumes mágicos capaces de levantar el ánimo.
● Claire de Luna, la Bruja Clarividente, puede ver el futuro y leer las constelaciones a través del braille, demostrando que existen muchas maneras de interpretar el mundo que nos rodea.
● Layla Stone, la Bruja de los Cristales, canaliza el poder de las piedras preciosas para crear joyas con propiedades protectoras y amuletos llenos de misterio.
● Rae Lumina, la Bruja del Sol, irradia energía y optimismo, ilumina cada espacio y utiliza el poder solar para crear arcoíris.

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Artículo y fotografías de Iris Redondo Sánchez

«Clayface» dirigida por James Watkins a partir de un guion de Mike Flanagan y Hossein Amini , es la tercera película del Universo DC, se estrenó el 23 de Octubre. Protagonizada por Tom Rhys Harries como Matt Hagen/Clayface , junto a Naomi Ackie , David Dencik , Max Minghella y Eddie Marsan. Tras conseguir ser nominado a un premio Óscar, el actor Matt Hagen asiste a una fiesta con su amigo de la infancia y también actor, Corey Bowery, allí conoce a Mia Torrez y pasa la noche con ella, a pesar de la advertencia de Corey de que es la novia del capo Markos Szabo.

A la mañana siguiente, los hombres del mafioso le desfiguran el rostro con un cuchillo. Aunque Matt denuncia el ataque a la policía, Szabo no es procesado por falta de pruebas. Incapaz de encontrar trabajo debido a su aspecto y a las acusaciones de Mia, Matt se queda sin dinero y regresa a su hogar de la infancia en los barrios bajos de Gotham City.

Matt se entera de la existencia de Caitlyn Corr, una doctora que está desarrollando un tratamiento con nanobots capaz de curar rápidamente los tejidos y la piel dañados. Caitlyn duda inicialmente en usar a Matt como conejillo de prueba, pero su prometido, el detective John Borrelli, quien investiga a Szabo, la anima a ayudarlo.

El tratamiento tiene éxito al principio, permitiendo que Matt regrese a la vida pública con su rostro aparentemente restaurado. Sin embargo, cuando su rostro comienza a derretirse durante un evento de alfombra roja, Matt entra en pánico y regresa con Caitlyn. En contra de sus deseos, se inyecta una dosis mayor de nanobots, curando aparentemente el problema.

Sin embargo, esto no es así y el problema se agrava ya que aunque puede transformarse en otras personas y así poder vengarse de todos también descubre que Corey ayudó a Frank a arruinar su reputación por celos. Matt mata a Frank y adopta su apariencia para escapar, luego localiza y asesina a Corey. Algo que parece un superpoder se transforma en su propia perdición viviendo en las alcantarillas de Gotham como un monstruo en lo cual se ha transformado.

En definitiva Matt Hagen una estrella de Hollywood, se convierte en un horrible monstruo lleno de venganza cuando la codicia científica le quita su identidad y humanidad.

Esta película nos puede recordar a películas de superhéroes pero que en este caso termina siendo un villano donde la venganza y el odio le trastornan hasta el punto de quedarse solo como una rata.

«Clayface» ya en cines.

Puntuación 3/5

Crítica de Enri Sánchez

Una nueva adaptación dentro del universo de la prolífica Jane Austen debuta este fin de semana. El libro elegido es «Sentido y Sensibilidad» (1811). El lugar de encuentro, las salas de cine. El código de etiqueta es una labor que solo le pertenece al reparto: Daisy Edgar-Jones, George MacKay, Caitríona Balfe y Esmé Creed-Miles. Son dos neófitas quien carga el peso de la producción, la directora Georgia Oakley y la guionista Diana Reid.

Oakley, iniciada en el cine con Blue Jean (2022) firma su segundo largometraje con «Sentido y sensibilidad» (2026). Por su parte, Diana Reid ha hecho sus pinitos dentro las series y el mundo editorial. Otra cara nueva dentro del proyecto es la actriz Esmé Creed-Miles, conocida por la serie Hanna (2019-2021), la cual comparte protagonismo con Daisy Edgar-Jones.

La película nos relata las desventuras de las hermanas Elinor (Edgar-Jones) y Marianne (Creed- Miles) Dashwood, que tras perder su hogar se ven obligadas a mudarse a una casita en el campo mientras buscan desesperadamente un porvenir, a través de la mano de un hombre. Algo conocido en la literatura de Austen, es su crítica a la posición de la mujer en su época y cómo muchas familias sufrían la desgracia de perder todo por la ley que dejaba fuera a las mujeres la posibilidad de heredar bienes e inmuebles.

Oakley y Reid, dejan patente dicho hecho en los inicios del film pero pronto queda desdibujado por una ornamentación salvaje, llena de naturaleza y una melancolía otoñal. Cada plano parece un paisaje pictórico o retrato claro-oscuro. Todo es oscuramente precioso, buscando una visión naturalista de la historia que aunque parezca improvisada es meticulosamente precisa en cada imagen.

Sin embargo, algo falla. Hay una distancia entre la obra y el espectador, como un muro invisible imposible de rebasar. Da igual que veamos Miles llorar desconsolada por Mister Willoughby, que no sentimos nada. El acting de cada actor es correcto en sus formas e incluso el personaje de Marianne es rescatado y no caricaturizado como la versión del 1995, interpretada por Kate Winslet. Achaco tal falta de esencia a dos aspectos. A efectos prácticos, «Sentido y Sensibilidad» es una obra cuyo eje principal es el romance por encima del drama. El drama lo tenemos dentro del film de Oakley. El amor lo hayamos en los dialogos y los pequeños gestos, habitual del cine de época.

Esas pequeñas acciones representa la pasión interna de los personajes, algo que Reid pasa por alto para aturullarnos con diálogos que generan el efecto contrario. La pareja de Elinor Dashwood y Edward Ferrars, interpretada por Daisy Edgar-Jones y George MacKay, parece cualquier cosa menos dos enamorados. El cierre de Marianne Dashwood (Esmé Creed-Miles) se percibe como una conformación ante un coronel (Herbert Nordrum) lánguido que roza el acoso; aunque este hecho ya estaba calcado en la obra de Austen.

Por otro lado, este «Sentido y Sensibilidad» (2026) no aporta nada nuevo ni dentro del género ni dentro del universo Austen. Es difícil innovar con una obra no sólo adaptada, sino que tiene multitud de parientes como las hermanas Dashwood: Sentido y sensibilidad (6 adaptaciones), Orgullo y Prejuicio (15 adaptaciones), Emma (10 adaptaciones)… y podemos seguir con la cuenta. La visión melancólica y naturista de Oakley también se replica dentro del género. Ejemplos de tantos, es la desconocida Cumbres borrascosas de 2011.

En pocas palabras, el nuevo «Sentido y sensibilidad» (2026) se excede en sentido y le falta sensibilidad, al menos para derretirnos de amor. Oakley ejecuta su trabajo con maestría buscando la delicadeza en las imágenes pero en ello deja de lado la verdadera historia.

Para los románticos que quieran comprar la versión de Oakley, «Sentido y sensibilidad» (2026) se estrena este 23 de Octubre.

Puntuación 3/5.
Crítica de María Isabel Santiago Escudero.

Celeste (Adria Arjona) «Hit Man» no es la mejor madre. La exsoldado estadounidense, aquejada por un trastorno de estrés postraumático, no sabe cómo comunicarse con su hija Daisy (Blake Kennedy). La veterana de guerra no sabe cómo expresar su amor hacia ella, debido a la violencia y situaciones extremas vividas en el campo de batalla.

La situación se complica más aún cuando un experimento, en una base militar de la zona, se sale de control y tres súper soldados, modificados genéticamente, se escapan, dejando tras de sí un halo de muerte y destrucción. Con esta premisa, Adam Wingard «Godzilla y Kong: El nuevo imperio» recupera el espíritu del cine de acción y terror de los años ochenta, construyendo una historia de supervivencia donde los experimentos militares, los traumas del pasado y el instinto maternal convergen en una auténtica pesadilla.

Gran parte de la acción se desarrolla en el pueblo ficticio Windy Oasis. Una pequeña comunidad de caravanas situada en mitad del desierto. Una decisión de lo más acertada, por parte del director, que no duda en poner en serios apuros a la protagonista una y otra vez. Aislada y alejada de la sociedad, Celeste sabe que no puede esperar a que lleguen los refuerzos. No cuenta con más ayuda que con Josiah (Reginald VelJohnson) «Jungla de cristal» un veterano de Vietnam que también ha encontrado refugio en Windy Oasis y el policía alcohólico Kovacks (Eric Wareheim). Los tres habrán de luchar por sus vidas para lograr vencer a los tres súper soldados, antes de que ellos acaben con sus vidas.

«Aniquilación» de título original «Onslaught» rescata la idea de la creación del soldado perfecto. Un concepto nada novedoso, que ha sido tratado en muchas otras películas anteriores. Aun así, la historia funciona gracias a la humanidad de la protagonista y al ingenio del director que combina perfectamente la acción y ciencia ficción, con un toque de terror y a la mezcla personalidades de unos personajes tan diferentes entre sí. Por desgracia, la película no goza de un argumente lo suficientemente sólido y no termina de rematar la faena. Prueba suficiente de que una buena idea no siempre es suficiente para alcanzar la excelencia. 

Si te gusta Jason Statham y eres un fanático empedernido de las películas donde hay muchos disparos y puñetazos, no puedes perderte esta película que llegará a las grandes pantallas, a partir del viernes 30 de octubre. No apta para menores de 12 años y gente altamente sensible.

Puntuación 3.5/5

Crítica de Jaime Barón

Del director Javier Giner, que, jugando con la ciudad de un entorno decadente de Bilbao y con el estado de nuestros protagonistas: Marina Salas como Lorea y Oriol Pla como Leo, y una magnífica y no menos importante Gemma Martinez como Irati quien creo le da el toque más extremo de “los vínculos y diferencias sociales”, nos llevan de la mano a una sensación que hemos podido presenciar cualquiera de nosotros.

Abriendo el filme con la ruptura de esta pareja vasca, Leo y Lorea, y lo que esto conlleva, vemos como estos dos individuos intentan naufragar en un barco medio roto acechado por duras olas del mar, que es la vida. Trabajando en el desapego de lo que fue y ya no es y en el sentimiento que lleva a estar acompañado por alguien que amas y cuidas a pasar a no estarlo y con un entorno un tanto hostil tanto laboral como familiar que no acompaña, pero real como la vida misma, este largometraje nos recuerda lo dura y fría que llega a ser la vida y que todos los golpes suelen venir de una sola vez pero que siempre hay que luchar por tener viento en popa.

La vida lleva a Lorea, que como buena escritora y también artista cuando no se esconde entre sus libros a una visita a la cárcel donde conoce a una singular presidiaria a punto de salir a la calle y donde su historia – sin hacer mucho spoiler- nos muestra que cuando estamos tan inmersos en el sentimiento de la soledad pretendemos salvar a personas ajenas cuando los que primero tenemos que salvar es a nosotros mismos. Leo , sin embargo se evade en su tristeza en pasar tiempo con compañías superficiales, fiestas, drogas, y evasiones temporales mientras que pelea por su única pasión que le queda que es ser actor, peleándose impartir clases y actuando como clown, donde también podemos apreciar que si no se está bien internamente no hay máscara que lo cubra.

Considero que es una producción que debemos ver todos, a poder ser en silencio, y sin compañía , como el título mismo, y verla con nuestros cinco sentidos, observar detalles y gestos de lo que vemos en pantalla y tomarnos el tiempo necesario para reflexionar sobre lo que nos es sano o nos hace felices en nuestra vida, revisar nuestras compañías, o si algo o alguien realmente nos da una alegría solo temporal y trabajar nuestra tranquilidad, paz o felicidad internas o el cómo vemos las cosas.

Me pareció una película diferente, muy artística y ligada con el teatro y a la vez realista, reflexiva y necesaria. Es emotiva, por supuesto, ya que trata de temas de la cabeza y del corazón pero, a pesar de que todos intentemos -como bien hacen estos personajes- el buscar films o consumir contenidos alegres o divertidos , este contenido también hace falta. A su favor entre tanto gris también hay que decir que tiene sus toques de humor y luz, como la vida misma.

Me gustaría terminar este texto destacando la impecable interpretación de Oriol que os va a atravesar por dentro, un actor que ha recibido el Premio Nacional de Teatro, el cual no me sorprende en absoluto y bien merecido. Muy pero que muy recomendable.

«Esta soledad» te espera el próximo 30 de octubre en cines.

Puntuación 5/5

Crítica de Ruth Crespo

«Cantemos y bailemos en el cine al ritmo de Mägo de Oz». Te aseguro que no hace falta ser un heavy con muñequeras de pinchos y chaqueta de cuero negro para haber escuchado alguna vez un «¡¡CABRONES!!» después de un bonito arreglo de flauta y un melodioso acompañamiento de violín.

«Fiesta Pagana» es un largometraje biográfico dirigido por Álvaro Brechner que nos transporta desde los orígenes de la legendaria banda de folk metal Mägo de Oz hasta su salto a la fama. La película relata, a veces de forma pausada y otras de manera frenética, su evolución, sus frustraciones, las figuras más relevantes de su trayectoria y las decisiones que han resultado determinantes para su éxito. No obstante, en ocasiones, el guion se toma ciertas licencias narrativas, como la exageración de los arquetipos asociados a los excesos de las bandas de heavy metal, con el fin de generar un mayor impacto en el espectador. La trama refleja los conflictos que tuvo Txus di Fellatio, fundador, batería y letrista de la banda, con los miembros que fueron abandonando el grupo a lo largo de los años. Entre ellos, destaca especialmente su enfrentamiento con José Andrea, el mítico vocalista que estuvo al frente del micrófono durante la etapa más exitosa de la agrupación.

Txus siempre ha sido un devoto de su proyecto; sin embargo, el resto de los integrantes, pese a ser excelentes músicos y desempeñar un papel crucial en el éxito de Mägo de Oz, también tenían circunstancias personales que afectaban sensiblemente a la banda. La ambición de Txus lo impulsaba a velar constantemente por los intereses del grupo, lo que acabó desencadenando fuertes enfrentamientos entre sus miembros.

Pese a los conflictos que sacudieron a Mägo de Oz, el propósito de ver esta película no debería ser recabar pruebas para posicionarse del lado de Txus, de Salva —exbajista de la banda— o de José Andrea. Se trata, más bien, de disfrutar, tanto si eres fan como si no, de una de las producciones cinematográficas más destacadas que se hayan realizado sobre un grupo de música español.

La película consigue emocionar al espectador gracias a los temas originales de Mägo de Oz, que suenan a todo volumen en la sala de cine mientras vemos la evolución de la banda y el progresivo lanzamiento de sus álbumes. Puedo dar fe de que esta obra audiovisual provoca en un fan declarado y practicante como yo una constante sensación de euforia y nostalgia. Me sorprendí a mí mismo cantando y bailando en el asiento, poseído por esa pegadiza combinación de melodías folclóricas y riffs cañeros.

Además, la película consigue arrancar sonrisas sinceras e incluso carcajadas gracias a un humor muy gamberro que encaja perfectamente con el espíritu carpe diem y el tono satírico que siempre han caracterizado a la banda.

El ritmo narrativo es ágil en buena parte del metraje, aunque se resiente durante un tramo algo repetitivo. Por suerte, la película termina por recuperar el pulso y retoma el frenesí inicial. La caracterización de los personajes busca una gran fidelidad a sus referentes reales, hasta el punto de que, en ocasiones, uno tiene que recordarse a sí mismo que no está viendo un concierto en directo de Mägo de Oz.

La interpretación de Adrián Lastra como Txus, aunque sin exigirle grandes alardes interpretativos, destaca por reproducir con acierto los gestos y manierismos del líder de la banda. Por su parte, Roberto Álamo, en el papel de Big Simon, llega a sumir un peso considerable en la narración, aportando un carácter adusto que contrasta con las locuras y la rebeldía del grupo.

El vestuario de los integrantes también destaca por su semejanza con el que lucían sus referentes reales, contribuyendo a reforzar la sensación de estar contemplando a la banda real en sus distintas etapas.

«Fiesta Pagana», antaño el título de una de las canciones más icónicas del folk metal español, se convierte con este film en un homenaje cinematográfico al género y a uno de sus máximos exponentes: Mägo de Oz.

La película nos muestra cómo la ambición creativa y la pasión por la música pueden llegar a convertirse en una obsesión, pero también en motores indispensables para superar algunos de los grandes enemigos de cualquier grupo musical: el desgaste, la envidia y la constante marcha de sus integrantes. Son precisamente esas tensiones las que hacen que la historia de Mägo de Oz resulte tan humana como apasionante y nos permiten comprender el precio que puede llegar a pagarse por mantener vivo un proyecto artístico.

En definitiva, Fiesta Pagana es una celebración de la música folk, de la perseverancia y de una banda atípica que ha sabido abrirse camino a golpe de flauta, violín y guitarras eléctricas. ¡¡Larga vida a Mägo de Oz!!

«Fiesta Pagana» en cines el próximo 6 de noviembre.

Puntuación 4/5

Crítica de Adolfo Lorenzo

«Wicker» (2026) es una comedia romántica fantástica, dirigida por: Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson, y que tiene como reparto principal a Olivia Colman, Alexander Skarsgård, Peter Dinklage y Elizabeth Debicki. La historia está basada en el relato corto The Wicker Husband, de Ursula Wills- Jones, cuyo título se puede traducir como «El marido de mimbre».

Los personajes no tienen nombres: se les conoce por su oficio o por ser «la mujer de…», lo que le da ese aire de fábula. Su identidad queda reducida a cómo los ven los demás. Podría ser porque esos comportamientos se repiten en todas las sociedades: juzgamos por las apariencias, por lo que hace alguien o por con quién está, sin adentrarnos mucho más en la personalidad de cada uno. Y luego salen a la luz los sentimientos muy humanos y profundos que hay detrás de esas etiquetas: rabia, envidia, frustración… Todo sucede en un pueblo pequeño, un universo en miniatura donde a sus habitantes les cuesta aceptar lo diferente. En sus personajes aparecen todos los vicios humanos, empezando por la envidia. Cuando ven que a alguien le va bien, empiezan a meter cizaña en su relación. Cada uno tiene algo que decir sobre la vida de los demás, y esas opiniones acaban haciendo daño. Aunque la historia es irreal, habla de comportamientos muy humanos.

Ese empeño en entrometerse en la felicidad ajena resulta reconocible, incluso en un mundo en el que alguien puede tener una pareja hecha de mimbre. La protagonista es bastante sensata, tiene sentido del humor, sarcasmo y sabe defenderse. No se queda callada ante los comentarios de los demás. Aun así, por mucho que intente resistirse, también acaba dejándose influir por ellos. Empieza a desconfiar de su amado y a poner en duda una relación con la que era feliz.

Incluso alguien que sabe plantarle cara a la gente puede terminar creyendo lo que escucha una y otra vez. Es una película un poco ASMR: el sonido de las figuras de mimbre resulta muy agradable de escuchar. Tiene un ritmo lento, pero de alguna manera te va envolviendo y mantiene el interés.

Y como en todo cuento, el final es aparentemente feliz, los malos reciben su lección o castigo, y los buenos, su tranquilidad.

«Wicker» llega a los cines el próximo 30 de octubre.

Puntuación 4.5/5

Crítica de Yulia Barriga