Dirigida por Natalie Erika James y protagonizada por Midori Francis, Danielle Macdonald y Madeleine Madden, «Insaciable» (Saccharine) parte de algo tan cotidiano como nuestra relación con la comida para construir una historia que va cambiando de piel y termina llevando al espectador por un camino que difícilmente espera al comenzar la película.

Hay películas que entretienen y otras que, cuando sales del cine, siguen contigo durante horas. Insaciable pertenece claramente al segundo grupo.

La comida es una de las necesidades más básicas del ser humano. Todos comemos, todos tenemos una relación con ella y, precisamente por eso, es tan fácil olvidar que también puede convertirse en una obsesión.

Existe un sueño que comparte mucha gente: poder comer sin engordar. Conseguir el cuerpo que siempre has deseado sin renunciar a aquello que te gusta. La película refleja ese deseo tan universal y plantea una pregunta incómoda: ¿hasta dónde estaríamos dispuestos a llegar para conseguirlo? ¿Y qué ocurre cuando, por fin, alcanzas ese ideal físico y descubres que tu autoestima sigue exactamente donde estaba?

Al principio parece que va a contar una historia sobre un trastorno alimenticio y la obsesión por perder peso. Un tema que, lamentablemente, sigue plenamente vigente. Vivimos rodeados de dietas, cuerpos “perfectos” y una presión constante por cumplir unos cánones imposibles. Está tan normalizado que muchas veces ni siquiera somos conscientes de hasta qué punto puede convertirse en un problema.

La película habla de la aceptación de uno mismo, de la persecución de un canon de belleza casi inalcanzable y de todo lo que suele esconder un trastorno alimentario: la culpa, los atracones, el silencio y unas enfermedades que, en muchos casos, pasan desapercibidas incluso para quienes las sufren. Y, sin entrar en spoilers, también se atreve a rozar uno de los mayores tabúes de la sociedad, llevándolo hasta un extremo que probablemente nadie espere al comenzar la película.

La puesta en escena también acompaña esa transformación. Al principio, la comida ocupa la pantalla con colores vivos y un protagonismo que refleja el deseo y el apetito con los que la vive la protagonista. Sin embargo, a medida que la historia avanza, esa imagen va deformándose. Lo que empieza como una representación casi cotidiana de los atracones acaba adquiriendo un tono cada vez más inquietante y macabro, mientras la fotografía se oscurece y la atmósfera se vuelve cada vez más opresiva.

Pero cuando crees que ya sabes qué tipo de película estás viendo, el guion cambia por completo y pasa de un drama que podría ser perfectamente real a una historia de suspense y terror. La tensión aumenta de forma constante, mucho antes de que la historia muestre todas sus cartas. Y cuando parece que por fin todo ha terminado, llega un último giro que te deja completamente descolocado.

Insaciable es una de esas películas que no dejará a nadie indiferente. Su capacidad para convertir un problema tan cotidiano en una historia de suspense y terror invita a reflexionar sobre la relación que tenemos con la comida, con nuestro cuerpo y con una idea de perfección que, en realidad, es completamente subjetiva. Porque, si algún día alcanzamos ese supuesto ideal, ¿Dónde está el límite? ¿Es realmente el final del camino o simplemente el comienzo de una nueva obsesión?

Puede que el verdadero “monstruo” de Insaciable no sea el que aparece en pantalla, sino la efímera esperanza de que alcanzar ese ideal físico bastaría para hacernos felices…

«Insaciable» llega a los cines el próximo 24 de julio.

Puntuación: 4/5

Crítica de Yulia Barriga

«Posesión Infernal: en llamas» es la nueva película de la franquicia de terror iniciada por Sam Raimi en 1981. Se podría decir que es la sexta entrega de la franquicia contando desde la original o la tercera si contamos desde el reinicio que supuso «Posesión Infernal» en 2013, una cinta que el director Fede Álvarez y su guionista Rodo Sayagues alejaron de la comedia de la trilogía de Raimi para centrarse en el terror más puro y sangriento.

Esta nueva entrega es sin duda la más salvaje hasta la fecha, desatando el infierno en el interior de una familia marcada por la violencia de género. Tras perder a su marido, una mujer busca consuelo junto a sus suegros en una apartada casa familiar. A medida que se transforman uno a uno en Deadites, el hogar se transforma en una carnicería de sangre, gore y muerte.

«Posesión Infernal: en llamas» está escrita y dirigida por Sébastien Vaniče, director francés que provocó pesadillas con arañas por todo el mundo con su anterior trabajo, la fantástica «Vermin: La Plaga», (2023). Vaniče repite ahora con el coguionista de aquella, Florent Bernard, aportando ligeros cambios al lore y la mecánica de una película de Evil Dead que quizá molesten a los fans de la saga pero que, a mí, me funcionan a la perfección.

No los voy a comentar para que los descubra el espectador pero sí diré uno de ellos, que me parece importante y no lo considero spoiler. En esta entrega, los deadites no buscan solo muerte, caos y destrucción. Tienen un objetivo y van a hacer lo que sea para cumplirlo. Esto provoca un conflicto constante que va más allá de situaciones de vida o muerte.

«Posesión Infernal: en llamas» conecta con el resto de la franquicia en varios momentos. Sin entrar en detalles, tanto el prólogo como la escena post créditos (hay dos, quedaros hasta el final) enlazan con la anterior entrega, «Posesión Infernal: el despertar», escrita y dirigida por Lee Cronin. Aunque considero que la nueva entrega es superior a la de Cronin, he de decir que el clímax de aquella en el párking del edificio con el “monstruo final” formado por una amalgama de víctimas es muy superior al que vemos en esta nueva entrega.

De hecho, el clímax es el punto más flojo de la película para quien escribe, dado que abusa del CGI cuando el resto de la película no ha necesitado de ello. Entiendo a dónde quiere ir el guion de Vanice y Bernard con ese tercer acto pero considero que habría funcionado mejor terminar de otra forma.

«Posesión Infernal: en llamas» está protagonizada por Souheila Yacoub, la mujer del fallecido y violento marido interpretado por George Pullar. Completan el reparto familiar Tandi Wright, Hunter Doohan y Luciane Buchanan, entre otros.

La dirección de Vanice es muy frenética. Demasiado, diría yo. Sobre todo en ese prólogo que comentamos antes. Pero a partir de la llegada de la familia a la casa donde ocurre más de la mitad de la película, la puesta en escena respira algo más, con planos más alargados y un montaje menos caótico. Mención especial para ese plano largo sin cortes de Souheila Yacoub huyendo por el suelo del caos a su alrededor.

Aunque me costa que la película ha dejado molesto a cierto sector de fans de la saga, incluso ellos consideran que la película tiene sangre, sustos y desmembramientos para el disfrute de los fans del cine de terror más sangriento.

«Posesión Infernal: en llamas», sólo en cines desde el 17 de julio.

Puntuación 4/5

Crítica de Diego Pol Sánchez

«La Odisea» es un poema épico griego que narra el regreso de Odiseo a Ítaca tras la guerra de Troya, enfrentándose a dioses, monstruos y viviendo aventuras durante diez años.

Escrita entre los siglos VIII y VII a.C., en el dialecto homérico, forma junto con «La Ilíada» la base de la literatura épica occidental. Se atribuye al poeta griego Homero y se compone de 24 cantos o rapsodias.

Para hacer realidad esta epopeya, Christopher Nolan va a contar con un fabuloso presupuesto de 250 millones de dólares, lo cual supondría que ‘La Odisea’ sería la película más cara de toda su carrera como director.

El reparto extraordinario es genuino, con Matt Damon como protagonista en el papel de Odiseo, personaje que no destaca por su fuerza física, sino por su ingenio, capacidad estratégica y habilidad para resolver situaciones límite. Precisamente esa dimensión humana es la que Nolan busca explorar en su versión de ‘La Odisea’, alejándose de la imagen tradicional del “héroe invencible”. 

Tom Holland, como Telémaco hijo de Odiseo. Este personaje representa el paso hacia la madurez y representa un papel esencial en diversos momentos de la narración. Telémaco es una de las figuras más importantes de la obra de Homero. Su historia refleja el tránsito de la adolescencia a la vida adulta en medio de la incertidumbre y la ausencia de un padre que le guie, también se exploran temas como la identidad, la responsabilidad y el apego familiar.

Zendaya, interpreta a Atenea, diosa griega de la sabiduría, la estrategia y la guerra. Atenea desempeña un papel fundamental dentro de la historia al representar la inteligencia, la prudencia y la protección de los héroes por lo que es considerada una de las deidades más importantes del Olimpo en el poema de Homero, Atenea es la gran protectora de Odiseo y actúa como consejera y guía orientándolo tanto a él como a su hijo Telémaco.

Anne Hathawa da vida a Penélope, esposa de Odiseo.  Penélope representa la fortaleza, la astucia y la capacidad de resistir frente a la incertidumbre.

Charlize Theron interpreta a Calipso, una poderosa ninfa marina, hija del titán del océano Atlas, quien se encuentra con Odiseo después de naufragar en la isla de Ogigia .

Robert Pattinson interpretará a Antínoo, uno de los personajes más influyentes dentro de los acontecimientos que se desarrollan en Ítaca durante la ausencia de Odiseo.

Eumeo representa la fidelidad, la humildad y la nobleza, cualidades que lo convierten en uno de los aliados más importantes del protagonista, interpretado por John Leguizamo, Lupita Nyong’o, Robert Pattinson, y tantos personajes como acontecimientos se representan en la Odisea, el origen de la Guerra de Troya, la memoria de la guerra…etc

La obra explora la astucia frente a la fuerza, la firmeza ante la adversidad, la lealtad familiar y la intervención divina en la vida humana. La inteligencia de Odiseo y su capacidad para planear estrategias son centrales para superar los desafíos a los que se enfrenta, el cíclope Polifemo, a quien engaña con astucia, a la hechicera Circe, que convierte a sus hombres en cerdos. El canto de las sirenas y su descenso al inframundo.

El objetivo era lograr una película accesible y realista, lo que implicó viajar a locaciones remotas, playas inmensas, usar barcos reales en mares reales y enfurecidos y llevar al público a la cueva del cíclope, al interior del caballo de Troya y a la desolada extensión del Hades. Rodar en Grecia, Marruecos, Islandia, Escocia o Italia, todo para completar la primera película rodada íntegramente con cámaras Imax de ultra alta resolución con película de 65 mm.

Una obra sin precedentes por su complejidad y envergadura.

«La Odisea» llega los cines el próximo 17 de julio.

Puntuación 5/5

Crítica de Enri Sánchez

Una nueva comedia española se estrena en pantallas, igual que otras muchas más. ¿Sobresaldrá sobre el resto o se hundirá en el inmenso mar de estrenos? Eso sólo se conocerá una vez estrenada. Sin embargo, tengo dos cosas claras: que los españoles vamos de abanderados de la comedia y que no recuerdo un éxito mayor dentro del género como «Ochos apellidos vascos». ¡Sí! ¡Ya sé! ¡Esta Padre no hay más que uno 1 o 51! Dejadme que vaya al meollo. Hablo de la comedia romántica, actualmente un poco desangelada a nivel patriótico. No es por nada pero de «Ocho apellidos vascos» han pasado ya 12 años. Algo tenemos que mirarnos.

«En Ni contigo ni sin mí», nos presenta a Ernesto (Gorka Otxoa) un cuarentón que no acepta que su matrimonio ha terminado. Este descubre en plena celebración de cumpleaños que su exmujer está con su vecino. Esta es la premisa de la nueva película de María Ruiz, la cual también firma el guion. Un formato clásico para los enredos, pero todo queda a media gas. Gorka Otxoa, encasillado en su papel de neurótico-depresivo lo hace muy bien. Manuela Vellés brilla, colocada como nuevo interés amoroso de tal Ernesto, aunque tampoco sabemos que le ve al tal Ernesto.

Adrian Lastra, desaprovechado, aparece y desaparece de escena cuando conviene. La película se sostiene por ellos tres, buenos actores pero el guion navega hacia la deriva. La historia parece improvisada. Los personajes toman decisiones ilógicas dentro de como están construidos. La directora trata que empaticemos con la villana, la exmujer, interpretada por Cristina Maisonnave, pero no nos da nada a lo que agarrarnos con ella. Todo se convierte en un batiburrillo de elementos que no consiguen conectar con el espectador. Quizás el problema es que subestimamos el género. Creemos que todo vale en la comedia, ya sea un vestido de debajo de la manga, un cashmere en una lavadora o un baile coordinado. Hasta el surrealismo tiene sus códigos, señores.

En mi opinión, los españoles hemos perdido la seguridad con la que nos jactamos con la comedia. Ahora repetimos fórmulas hasta el hartazgo y las dejamos sucumbir sin ningún salvavidas. Total tampoco nos importa los resultados, quizás sólo a la creadora. Ni contigo ni sin mí tiene los ingredientes para construir una buena comedia pero le falta profundidad a la historia para generar lo que pretende… conmovernos.

«Ni contigo ni sin mí» se estrena en cines el próximo 17 de julio. Pasen y vean y opinen. Ya sea a favor o en contra de mi aportación.

Puntuación: 2/5

Crítica de Isabel Santiago Escudero

HACIENDO AMIGOS es un largometraje perteneciente al género de la comedia, presentado por Santiago Segura, escrito por Marta González de Vega («Padre no hay más que uno», «Vacaciones de verano«), quien también forma parte del reparto, y dirigido por David Marqués («Puntos suspensivos», «El club del paro» y coguionista de «Campeones»).

HACIENDO AMIGOS cuenta la historia que sucede entre un padre, Antonio (Antonio Resines) y su hijo, Félix (Quim Gutiérrez) que son una pareja de atracadores de poca monta que, tras atracar una joyería, huyen de la policía y se dirigen al lugar dónde Félix ha aparcado el vehículo. Cuando llegan al aparcamiento, se dan cuenta de que el vehículo no se encuentra ya que Félix ha aparcado en una plaza de movilidad reducida y el vehículo ha sido retirado por la grúa teniendo que iniciar la huída a pie.

Muy cerca del lugar se cruzan con Eva (Megan Montaner), monitora de un grupo de teatro formado por personas con discapacidad, que confunde a Félix con Ángel, un nuevo miembro del grupo al cual no conoce y al que están esperando que llegue para que se suba al autobús.

Aprovechando la confusión, Antonio ve una oportunidad única para escapar de la policía. Convence a Félix para que se haga pasar por discapacitado y Antonio es su acompañante consiguiendo, de esta forma, escabullirse. Sin saber que les espera un retiro creativo de una semana con el entrañable grupo.

La intención de Antonio y Félix es escaparse en cuanto puedan porque tienen que entregar las joyas robadas a una banda que les acosa pero cuando llegan al destino todo se complica y acaba enredándose, y Félix comienza a sentir algo especial por Eva.

HACIENDO AMIGOS, con un tono que combina humor, emoción y una mirada poco habitual en la comedia española, propone una historia donde los prejuicios saltan por los aires y los personajes se ven obligados a descubrir a los demás desde una nueva mirada y enfrentarse, por primera vez, a sí mismos. 

Es una divertida comedia familiar sobre la importancia de saber ponernos en el lugar de los demás, sobre la empatía, que pretende dar visibilidad y romper con los estereotipos equivocados que tenemos sobre las personas con discapacidad reivindicando la igualdad así como las segundas oportunidades.

Destaca el guion, las secuencias de humor constantes, la música interpretada por Camela, las excelentes interpretaciones de Antonio Resines, Quim Gutiérrez y Megan Montaner así como de los miembros del grupo de teatro de personas con discapacidad.

¿Descubrirán los miembros del grupo de teatro de personas con discapacidad quienes son realmente y que esconden sus nuevos compañeros Antonio y Félix? ¿Conseguirán Antonio y Félix reencontrarse y reconducir sus vidas?

Si quieres conocer el final de esta divertida comedia de enredos y visibilidad de la discapacidad no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el viernes 10 de julio.

VALORACIÓN: 3,5/5

«MINIONS & MONSTERS» es la tercera entrega de la exitosa saga protagonizada por los Minions que aterriza en la gran pantalla este verano en todo el mundo, perteneciente a los géneros de animación, aventuras y comedia, escrito por Bryan Linch (Los Minions, Mascotas) y Pierre Coffin quien, además, ha dirigido esta cinta.

Después del gran éxito de taquilla mundial del verano de 2024, Gru 4: Mi villano favorito, Illumination presenta un divertido nuevo capítulo de la saga, «MINIONS & MONSTERS«, ampliando su alegre universo animado con personajes nunca vistos dentro de la mayor franquicia de animación de la historia del cine.

«MINIONS & MONSTERS» cuenta en este capítulo la desvergonzada, disparatada y verdadera historia de cómo los Minions conquistaron Hollywood, se convirtieron en estrellas de cine, lo perdieron todo, soltaron monstruos en el mundo y acabaron uniéndose de nuevo en un intento de salvar el planeta del desastre que ellos mismos habían creado. 

El aclamado reparto de la película en versión original reúne a la oscarizada Allison Janney, al ganador de dos estatuillas Christoph Waltz, al oscarizado Jeff Bridges, al dos veces nominado al Oscar Jesse Eisenberg, a Zoey Deutch (Nouvelle Vague) y al cómico Trey Parker, nominado al Oscar y cocreador de la serie “South Park”. Completan el reparto el integrante de “Saturday Night Live” Bobby Moynihan, y Phil LaMarr (las series “Futurama”, “El rey de la colina”).

Pierre Coffin, nominado a los Oscar, estuvo al mando de las tres primeras entregas de Gru: Mi villano favorito y de la primera película Minions. Asimismo, pone voz a los Minions desde su primera aparición en la gran pantalla en 2010. Producen la película Chris Meledandri, nominado a los Oscar, fundador y presidente ejecutivo de Illumination, y Bill Ryan (productor ejecutivo de Super Mario Bros: La película). La producción ejecutiva corre a cargo de Brian Lynch.

Han transcurrido más de diez años desde su creación y los Minions se han convertido en los personajes de animación más icónicos de su generación. Admirados y queridos por fans de cualquier edad en todo el mundo, han conseguido que las sagas Gru: Mi villano favorito y Los Minions superen los 5,6 mil millones de dólares en la taquilla mundial.

Es una divertida película de entretenimiento familiar para todas las edades que hará las delicias de los más pequeños así como de sus fans con una buena dosis de humor, con guiños a personajes del cine clásico y mudo de la comedia de Hollywood como Charles Chaplin, entre otros, y con la incorporación de unos peculiares monstruos con un malvado plan.

Destaca la animación, el ingenio, el guion, los Minions y las secuencias de humor constantes. ¿Qué ocurrirá entre los Minions y los Monsters? ¿Conseguirá los Minions salvar el planeta del desastre que ellos mismos han creado?

Si quieres conocer el final de esta nueva divertida y alocada comedia de aventuras de los Minions no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el miércoles 1 de julio.

Puntuación 4,5

Crítica de Ramón Redondo

La ceremonia de los Premios Fugaz brillo intensa en su décima edición de premios del cortometraje en España, con un destacado ganador «Montecarlo 67»; muy seguido de “ In memoriam” , “ Chicken jazz” y “Señuelo”.

La gala se celebró en los cines Kinépolis Ciudad de la Imagen, y contó con el apoyo de colaboradores como el Instituto de Cine de Madrid, Hot Perrote y Alhambra (alimentando estómagos en el cóctel tras los premios) The Core School, Gobo, Da Vinci Productions , AECID & ICAA entre otros en Madrid acogió la tarde- noche del 22 de junio de 2026 organizada por CortoEspaña por 10ª vez, siendo la ceremonia más importante que premia a todos los artistas que conllevan a la creación de los cortometrajes. Un año más dando voz e imagen a un formato menor , pero no de menor valor cinematográfico y creativo.

Tras el photocall y recibimiento y saludos entre amigos y conocidos nos disponemos a acceder a la imponente sala 25 que alberga a unos 1000 espectadores: Invitados, prensa y nominados, personas de todas las categorías donde une a todos la misma pasión: la del cine y el arte , en corto y guiños a su hermano mayor , el largometraje. Con Jaime Figueroa como presentador, (actor y ventrílocuo), guiando el evento con incansable actitud e iniciativa y surfeando algún problemilla de sonido en el que nos dejó a nuestra imaginación si estaba así organizado o que muy profesionalmente improvisó airoso, nos entretuvo con espectáculo desde mímica a juegos luces y mucha simpatía y profesionalidad. Compartió escenario entre galardón y galardón con presencias especiales como Laura Galán, Alex O’Dogherty, Luis Larrodera, Mabel Lozano, Luisa Gavasa,Sofía Otero,….

Estrenando el certamen a Mejor Montaje “Cara de Cona” y seguido de los premios Fugar a mejor: Maquillaje y peluquería –Marta Cuadrado en Montecarlo 67; Mejor banda sonora – Alberto Torres en Chicken Jazz; Mejor vestuario – María Gil de Bustamante de nuevo en Montecarlo 67; Mejor largometraje para Sorda, que aprovecharon para dar voz a quien prescinde de algún sentido o movilidad y del cuidado mental tan importante en esta vida moderna y rápida. Cortometraje de escuela- A Los murciélagos que han abandonado el campanario; Mejor sonido para Pablo Castillo en Chicken Jazz; Efectos visuales- Laura Pedro en Señuelo; Corto cortometraje breve -para Baile con la muerte; Mejor corto hispanoamericano – recordándonos que no es fácil dejar el hogar para encontrar una mejor vida desde México lindo – La Barbarie (En memoria del fallecido Ignacio c – ICAA) Mejor dirección de fotografía -Miguel Ezequiel – Montecarlo 67; Dirección de Arte- Montecarlo 67; Mejor documental- (Reivindicando que también tienen su trabajo detrás como cualquier otro cortometraje y que les gustaría estar nominados a otras categorías, como fotografía, guion etc) para “Abril , hoy no es invierno”, y cuya protagonista no puede acudir presencialmente a recoger el premio ya que la sala- como muchos otros sitios- aún no está habilitada para
minusválidos o silla de ruedas. Mejor corto de Animación al –El fantasma de la quinta– aludiendo cómicamente a que quien crea animación sufre aún más de locura, artísticamente hablando.

Premio de Honor a su trayectoria -que comenzó con un corto (Mirindas asesinas) y una cámara comprada el día anterior como él mismo explicó en su discurso- al director Álex de la Iglesia.

La actriz Toni Acosta nos deleitó con su pirueta su magnífico sentido del humor y su compañero bromeaba con no ver desde el escenario con tanto foco al público – cual “Goya con sus cuadros”. Mejor dirección de producción – Alejandro Viyuela y Samantha Martin por Montecarlo 67; Mejor guion, y de los discursos más divertidos – no se puede decir en casa del herrero cuchillo de palo en esta ocasión – para Teresa Bellón y César F. Calvillo -con In memoriam.

Sin olvidarnos del magnífico Antonio Esquivias – como voz en off – y haciendo homenaje a los Simpsons como el Actor Secundario Bob donde su voz es tan reconocida. Mejor interpretación – Masculina -al célebre Carlos Santos de nuevo para Montecarlo 67 Mejor interpretación o como decía la actriz y presentadora Raquel Guerrero “A mejor actriz”, para Cristina Soria que lo recogió muy agradecida y emocionada (In memoriam); Mejor directo novel- Marta García con Señuelo – haciendo énfasis de que las mujeres en este y cada vez en más sectores brillan y emergen; Mejor dirección – Rubén Guindo Nova – Montecarlo 67 y Mejor corto- Montecarlo 67 juntando así un total de 8 estatuillas y superando en premios a un mismo corto en todas las ediciones. 120 personas y 4 años de trabajo lo respaldan. Y con la ganadora Montecarlo 67 nos quedamos de un buen sabor de boca a otro, cerrando la noche con el cóctel patrocinado por Hot Perrote y Cervezas Alhambra que alimentó a los estómagos y acompañó a comentar lo vivido en esta especial jornada. ¿Qué nos deparará este nuevo año? ¡Seguiremos caminando en la tierra mirando al cielo para que no se pase ninguna estrella fugaz!

Artículo y fotografías de Ruth Crespo

SUPERGIRL es el nuevo largometraje de DC Studios que aterriza en la gran pantalla este verano en todo el mundo de la mano de Warner Bros. Pictures. perteneciente a los géneros de acción, aventuras y ficción escrito por Ana Nogueira y dirigido por Craig Gillespie.

Está basado en personajes de DC y en los personajes creados por Jerry Siegel y Joe Shuster. SUPERGIRL cuenta la historia que sucede de Kara Zor-El, alias Supergirl (Milly Alcock), que se encuentra celebrando su 24º aniversario en otra galaxia lejos del sol y en la que no tiene superpoderes cuando aparece la joven Ruthye (Eve Ridley) solicitando ayuda para vengar la muerte de su familia a manos del villano Krem de las colinas amarillas (Matthias Schoenaerts).

Kara Zor-El, Supergirl, decide no involucrarse en este asunto pero aparece el villano Krem para robarle su nave y en su huída ataca a su mascota Krypto dejándolo gravemente herido. El único remedio para salvarle la vida es inyectarle el antídoto que posee Krem en un plazo máximo de 72 horas. Este suceso desencadenará el inicio de la persecución de Kara Zor-El acompañada de Ruthye contra Kreme para conseguir el antídoto que salvará la vida de su inseparable mascota Krypto.

Supergirl no estará sola en su lucha contra el villano Krem y contará con la ayuda del mercenario Lobo (Jason Momoa). Completan el elenco de actores Emily Beecham y David Krumholtz.

Los productores ejecutivos de la película son Nigel Gostelow, Chantal Nong Vo y Lars P. Winther.  Detras de la cámara, se unen a Gillespie el director de fotografía Rob Hardy, el diseñador de producción Neil Lamont, la directora de montaje Tatiana S. Riegel, la diseñadora del vestuario Anna B. Sheppard, el supervisor de efectos especiales Geoffrey Baumann, y el compositor Ramin Djawadi. 

Es una película de entretenimiento recomendada a partir de trece años y especialmente para todos aquellos fans de los superhéroes que incorpora una gran variedad de secuencias de acción y efectos visuales. Aborda a una superheroína en el recién imaginado universo DC con una singular mezcla de acción épica y emoción, presentando a una peculiar Supergirl con cierta apatía, descuidada, dolorida y en busca de encontrar su destino aunque sin olvidarse de combatir las injusticias.

Destaca los efectos visuales, las secuencias de acción, la interpretación de los actores Milly Alcock en el personaje de Kara Zor-El, alias Supergirl y Matthias Schoenaerts en el personaje de Krem así como la banda sonora que la acompaña. ¿Conseguirá Supergirl el antídoto que permite salvar la vida de su mascota Krypto? ¿Quién acabará haciendo venganza y justicia contra las fechorías del villano Krem?

Si quieres conocer el final de esta aventura de la superheroína, Supergirl, no te puedes perder esta película que se estrena en los cines y en IMAX® el viernes 26 de junio.

Puntuación 3/5

Crítica de Ramón Redondo

“NORMAL”, una película que representa muy fielmente la “american way of life”, la esencia americana. Si disfrutas de ‘visitar’ el típico bar de carretera con sus persianas a medio subir y sus neones, donde siempre ocurren cosas inesperadas más allá de servir desayunos de bacon y tortitas y te entusiasma venir a acompañar al sheriff a los avisos de emergencia de un recóndito pueblecito misterioso donde estaréis acompañados de música muy bien escogida para cada escena y una cuidada fotografía que ya te habla sin palabras en momentos previos a los clave, rodeado de un entorno entre naturaleza y alces y por qué no, unos tiroteos para amenizar la jornada de turno, esta es tu película.

Un filme dirigido por Ben Wheatley, de los creadores de “Nadie” y “John Wick”. Protagonizada por un majestuoso Bod Odenkirk (en la que también participa como guionista) junto a una misteriosa camarera, Moira, (Lena Healley) y un poderoso alcalde Kibner (Henry Winkler) te llevan a un viaje por carretera de 90 minutos, que, personalmente se sienten como 45.

Atención, tele-espectador, vas a acompañar a Ulysses (Bob Odenkirk) llamado urgentemente para sustituir al sheriff del pueblo “Normal” en Minnesota, que, ha fallecido repentinamente de forma ¿accidental?. Serás compañero de patrulla de alguien destacable por su flexibilidad, amabilidad, correcto con la ley, y tranquilo -muy afín a lo que el pueblo estaba demandando- para traer un poco de luz al asunto y poder continuar con su calma y normalidad…… Suena bien , ¿no? Ah, y debes tener en cuenta que a él ahora mismo le persiguen otro tipo de sombras internas.

Tras varios problemillas con algunos asuntos de la mafia japonesa que tendrás que descubrir y algún robo de banco que nunca termina como crees que termina…. Nuestro agente irá esquivando problemas y balas, en una historia con mucha adrenalina y con acertados toques de humor negro.

Ulysses , además, nos va a dar una lección de supervivencia en una trama donde no puedes descuidar las espaldas y que nos recuerda que nada ni nadie es lo que parece, hasta que ahondas en ello. Quizá un sustituto de unas semanas deja huella y hace más por un sitio, que alguien que ha estado en el puesto años. Nos demostrará que sabe jugar sus cartas sin perder las riendas para recuperar finalmente la normalidad, pero… ¿A qué normalidad nos referimos? Tu descubrirás de qué hablamos. ¿Te apetece escapar unas semanas de la rutina a nuestro querido pueblo Normal?

Agárrate bien a la butaca desde el 1 de julio.

Puntuación 5/5

Crítica de Ruth Crespo

“Tal vez” es una película dirigida por Arima León y protagonizada por Tania Santana y Adriana Ugarte. A través de la figura de Natalia Sosa, escritora y poeta canaria, la película aborda temas como la identidad, la aceptación personal y las limitaciones impuestas por una sociedad que durante décadas condicionó la forma de vivir, amar y expresarse de quienes no encajaban en sus estándares.

Natalia Sosa lucha por ser ella misma en una época que juzga y condena todo aquello que se aparta de lo considerado normal. Tal vez es también una historia de amor y dolor. Un amor que nunca llega a vivirse con libertad y que acompaña a la protagonista durante gran parte de su vida. La persona a la que ama no consigue vencer sus propios miedos ni los prejuicios sociales, y el peso de la reputación, las convenciones y el qué dirán termina condicionando decisiones que marcarán para siempre el destino de ambas. Ante la imposibilidad de expresar abiertamente sus sentimientos y vivir abiertamente ese amor, la escritura se convierte en refugio, memoria y desahogo. Lo que no puede vivir, Natalia lo transforma en palabras.

Con el paso de los años, la película acaba convirtiéndose en un retrato doloroso de la soledad. Aunque cuenta con el cariño y la aceptación de su familia y de sus amistades más cercanas, hay un vacío que la protagonista no consigue llenar y que la acompaña durante buena parte de su vida. A través de la historia personal de Natalia Sosa, la película muestra un retrato social de una España en la que los prejuicios y el miedo al qué dirán podían condicionar el destino de una persona.

El propio título, «Tal vez», podría ser una reflexión sobre todo aquello que pudo haber sido y nunca llegó a ocurrir. Sobre los sentimientos que quedaron sin expresar, los caminos que no se tomaron y las decisiones condicionadas por el miedo. Un título que resume una historia construida sobre silencios, ausencias y oportunidades perdidas. Una película desgarradora que recuerda hasta qué punto la libertad de ser uno mismo es un logro relativamente reciente.

«Tal vez» llega a los cines el próximo 10 de julio.

Puntuación 3,5/5

Crítica de Yulia Barriga