El clásico «El lago de los cisnes» de Tchaikovsky interpretado por el ballet de Kiev danza con elegancia sobre el escenario del Teatro Lope de Vega de Madrid durante los días del 5 de octubre al 16 de noviembre.

Destaca la increíble puesta en escena de una elegante y majestuosa obra de ballet que cuenta con intérpretes altamente cualificados en la danza clásica, en una adaptación de una historia encantadora y una coreografía fascinante, pues no es de extrañar que «El Lago de los Cisnes» siga siendo el ballet más popular de la historia.

Durante el preestreno pudimos hablar con Viktor Ishchuk, el director y bailarín del ballet de Kiev quien destacó que lo más complicado de llevar a cabo son los calentamientos y ensayan cada día porque es una obra muy exigente y cuya coreografía corre a cargo de Marius Petipa.

Las bailarinas y bailarines del Ballet de Kiev, bajo la dirección de Ishchuk nos ofrecen una versión emocionante, vibrante e increíble de la famosa creación del compositor ruso: «El Lago de los Cisnes», un cautivador ballet de amor, tragedia y encanto.

No es la primera vez que el ballet de Kiev nos ofrece la oportunidad de disfrutar de este espectáculo único en Madrid, pues este ballet de reconocida trayectoria, esta vez con su título más icónico, tras el éxito irrefutable de sus giras por España en 2022 y 2025, giras que nos han permitido conocer su talento, técnica, maestría y profesionalidad, vuelve a la capital para trasladarnos a través de la música y la danza a un universo mágico donde los cisnes blancos y negros bailan sobre el escenario.

El Ballet de Kiev tiene su sede en el Centro Internacional de Cultura y Artes de Kiev, Ucrania, fundado por Viktor Ishchuk, famoso bailarín solista del Teatro de Ópera de Kiev, funda este ballet en 2017 y consigue con ello realizar un sueño largamente cultivado: la creación de una compañía estable y joven, que reuniese a las estrellas más prominentes de toda Ucrania y pudiesen presentar al mundo el talento, la maestría y la profesionalidad de los artistas de aquel país.

El Ballet de Kiev mantiene entre sus objetivos principales el cuidado de las tradiciones y esencia del ballet clásico más puro. A lo largo de estos años han recorrido gran parte del mundo representando los principales títulos clásicos, así como coreografías originales. El Lago de los Cisnes, El Cascanueces, La bella Durmiente, Don Quixote, Giselle, Carmen, Scheherazade, Les Sylphides, La Cenicienta, Zorba el griego, Eyes wide Shut, etc. son parte de su repertorio habitual.

La gira del Ballet de Kiev de 2022 por España quedó marcada en la memoria de todos nosotros con la tinta roja que, con trazo grueso, describe la tragedia que se vive desde entonces. Desde esa primera gira de 2022, el Ballet de Kiev de Viktor Ishchuk ha recorrido durante 2023 y 2025 los principales teatros y auditorios de España con un éxito arrollador. Sin ir más lejos, en la gira de 2024, más de 150.000 personas asistieron a sus actuaciones. En 2025 vuelven a recorrer los escenarios más prestigiosos de España. Su éxito de este verano en Madrid es buena prueba de ello.

En conclusión, «El Lago de los Cisnes» es un clásico atemporal que nunca ha dejado de sorprender, pues es una majestuosa obra maestra de música y movimiento, y destaca desde los gráciles cisnes que se deslizan sobre las aguas hasta las deslumbrantes muestras de belleza del ballet de la realeza. Sin duda, esta producción que ya ha cautivado al público durante generaciones, regresa para seguir emocionando a los espectadores con su conmovedor argumento y sus apasionadas interpretaciones.

Desde Le Journal Du Film os recomendamos que no dejéis pasar la oportunidad de disfrutar del famoso ballet «El Lago de los Cisnes» del 5 de octubre al 16 de noviembre en el Teatro Lope de Vega de Madrid.

Puntuación 5/5

Artículo y fotografías de Iris Redondo Sánchez

«Boiúna: La leyenda del Amazonas» nos cuenta como un grupo de médicos viajan al Amazonas de misión humanitaria. Entre traficantes y tragedias, asoma una bicha entre sus aguas.

Mike P. Nelson un director habituado en el gore nos presenta un proyecto con poca ambición. Ya de por sí es difícil pronunciarlo, una pequeña decisión artística que puede salir cara. Sino que también, la película se toma demasiado en serio para ser un cliché con patas. O en este caso, sin ellas. El elenco lo completa Kiana Madeira, Jessica Rothe, Juan Pablo Shuk (Sí, el malo de las telenovelas), y el mismísimo Logan Marshall-Green.

Cada personaje, cada extra, es un cliché en su máximo exponente. Madeira es la chunga que guarda secretos; Rothe, la rubia inocente que se mete dónde no le llaman; Shuk, el médico-madurito-interesante; y Marshall-Green, el mono con pistolas. Hasta los mismos extras son un estereotipo racista de lo que se supone que deben ser aldeanos del Amazonas, gente desconfiada con menos expresión que una sepia.

La historia parece que nos lleva un derrotero que aunque sea superficial busca dar una profundidad al film: el Amazonas no es un lugar hospitalario, no tanto por sus gentes sino por los que vienen de fuera. Como si una serpiente de tres metros de alto no lo fuera.

De repente, aparece la tal Boiúna, la serpiente en cuestión, matando rápidamente la trama inicial, para convertirse en un ‘Sálvese quién pueda’. Protagonistas, secundarios y villanos mueren de las maneras más estúpidas y gratuitas. Contra toda refutación científica, la bicharraca tiene un hambre voraz y una rapidez que la hace imbatible. Nos zampamos un par de escenas haciendo oda a Tiburón (Jaws, 1975) o la orca Gladys (su versión española), y llegamos al plot-twist final: la serpiente es inteligente y además racista a la inversa.

La película fue rodada en Colombia y el título hace referencia a la mitología brasileña, pues en las leyendas amazónicas, la Boiúna (o Cobra Grande) es una serpiente gigante y terrorífica que habita en los ríos de la región creando los canales y arroyos (igarapés) al arrastrarse por la tierra y que además tiene la capacidad de transformarse en barcos para atraer, engañar y devorar a los navegantes desprevenidos.

Este proyecto surgió de una idea llamada «Titanoboa», que es el término científico real de la serpiente prehistórica que existió y que hace 60 millones de años era el depredador más importante del Amazonas. Sin duda, «Boiúna: La leyenda del Amazonas», es una sangrienta e implacable lucha por la supervivencia revive el mito de una colosal serpiente prehistórica que despierta en las profundidades del Amazonas para reclamar su territorio y decidir quién vive y quién muere.

En conclusión, si buscas un Sharknado (2013) esta no es tu película. Si buscas una película sobre las vidas de los habitantes de la Amazonía tampoco es tu película. Si busca gore de alto presupuesto sin muchas más expectativas, esta es tu película.

«Boiúna: La leyenda del Amazonas» será proyectada en el Festival de Sitges y llegará a los cines el próximo 16 de octubre.

Puntuación 1/5

Crítica de María Isabel Santiago Escudero

El próximo 16 de Octubre se estrena Kakeru del cineasta Japonés Hirokazu Koreeda de la mano de Vértigo Films. La película supone el regreso del director de «Un asunto de familia» (Palma de Oro en el Festival de Cannes y nominada a los Premios Oscar como Mejor película de habla no inglesa. De tal padre, tal hijo (Premio del Jurado en el Festival de Cannes y Premio del Público en el Festival de San Sebastián) y Monstruo, distribuida también por Vértigo y ganadora del Premio a Mejor Guion en el Festival de Cannes). Así como participará dentro de la sección Oficial Fantàstic Competición en la 59.ª edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges que se celebrará del 8 al 18 de octubre.

Esta vez lo hace con una historia donde vuelve a tocar temas como la familia, el duelo, la pérdida de los seres queridos y las diferentes maneras de entender los lazos afectivos pero con una premisa que antes no había tocado, la ciencia ficción: porque es ciencia ficción, de momento, que la ciencia pueda desarrollar un niño, un androide igual que un humano para suplir la pérdida de un ser querido, la perdida en este caso de un hijo.

La IA en esta ocasión no solo es avance tecnológico es un receptáculo donde depositar los recuerdos, los sentimientos, los deseos y la necesidad de recuperar el pasado, donde los sentimientos de culpa se difuminan ante su presencia. Pero en el fondo ¿puede realmente un androide suplir a una persona humana? y lo que es peor ¿los seres humanos seremos capaces de tratar con dignidad a una máquina como si fuera una persona?

De esto trata la película, en un futuro cercano, una pareja que pierde a su hijo decide adoptar a un niño humanoide creado a su imagen con inteligencia artificial. Lo que empieza como un intento desesperado de aliviar el dolor se convierte en una nueva vida familiar, con sus pros y sus contras. Pero aquí se abre un debate, ¿ la IA, capaz de valerse por sí sola terminará por destruir a los seres humanos?, ¿suplirá de verdad a las personas?, ¿será este el final de la humanidad?.

La película está protagonizada por Haruka Ayase, una de las grandes estrellas del cine japonés contemporáneo, y por Daigo y Rimu Kuwaki, quien interpreta a Kakeru. El reparto cuenta también con Nana Seino, Kanichiro,Hinata Hiiragi,Kimiko Yo yMin Tanaka.

Con una duración de 126 min. Se hace algo larga por su lentitud en el dialogo, en la trama y en las pausas que llevan a meditar mientras estás viendo la película, le falta color y dinamismo.

Puntuación 3/5

Crítica de Enri Sánchez

«EL ÁRBOL MUY MUY LEJANO» (The Magic Faraway Tree) es un largometraje perteneciente a los géneros de fantasía y aventuras, escrito por Simon Farnaby y dirigido por el cineasta Ben Gregor.

Es una película basada en los populares cuentos infantiles de la escritora inglesa Enid Blyton conocida también por su colección de libros de misterio y aventuras de Los Cinco. «EL ÁRBOL MUY MUY LEJANO» narra la historia de una familia moderna llamada Thompson compuesta por la madre Polly (Claire Foy), el padre Tim (Andrew Garfield) y sus tres hijos Fran (Billie Gadsdon), Joe (Phoenix Laroche) y Beth (Delilah Bennett-Card) que se ve obligada a mudarse a una zona remota de la campiña inglesa. Polly renuncia a su trabajo y Tim está preocupado por el excesivo uso de los dispositivos electrónicos que hacen sus hijos perdiéndose su infancia y sueña con vivir de la tierra montando su propio negocio de salsa de tomate para pasta de estilo italiano, por lo que, deciden un cambio de vida al campo, alejándose de la rutina moderna y de las pantallas.

La llegada a su nuevo hogar no está exentas de sorpresas ya que tendrán que adaptarse a vivir en un granero destartalado situado en mitad del campo cerca de un bosque que carece de todas las comodidades de la ciudad: calefacción, conexión de internet, etc. Beth, la hija mayor, será la más descontenta con este cambio ya que se encuentra alejada de sus amigas y sin conexión a internet para poder comunicarse con ellas.

Poco después de su llegada, los niños descubren un árbol mágico y a sus extraordinarios y excéntricos habitantes. Conocen a personajes entrañables como Cara de Luna, Seditas (Nicola Coughlan), el Señor Comosellame, Doña Lavamucho o el Señor Cazuelas. En la copa del árbol, son transportados a mundos desconocidos y fantásticos y, a través de los desafíos de sus aventuras, la familia aprende a reconectar y a valorarse mutuamente por primera vez en años. Un enfoque realmente encantador, moderno y agudo. Una reinterpretación de la obra de la autora superventas Enid Blyton, con un lenguaje audiovisual repleto de corazón, cariño y emoción.

Es una película ideal de entretenimiento familiar destinada al público infantil y juvenil interesado en la fantasía en la que destaca la creatividad e imaginación, el humor, el colorido, los efectos visuales, la música y la caracterización de los diferentes personajes que residen en el árbol mágico. Además, de hacer una llamada a la reflexión de las consecuencias que pueden tener en nuestras vidas el uso abusivo de los dispositivos electrónicos y de las pantallas que impiden disfrutar de los momentos compartidos de dedicación a la lectura y a los juegos tradicionales dejando volar a la imaginación para trasladarnos a otros mundos.

¿Quién será el primero de los tres hijos que descubra el árbol mágico? ¿Qué efectos provocará la experiencia de la fantasía en la familia Thompson?

Si quieres conocer como acaba esta historia mágica de fantasía y aventuras no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el viernes 9 de octubre.

VALORACIÓN: 4/5

Crítica de Ramón Redondo

«DIGGER» es un largometraje perteneciente a los géneros de comedia y drama, escrito por los ganadores del Oscar Alexander Dinelaris y Nicolás Giacobone, Sabina Berman y Alejandro G. Iñárritu basado en una historia de Berman, Iñárritu y Jez Butterworth y dirigido por el cineasta mexicano ganador del Oscar Alejandro G. Iñárritu (El renacido).

«DIGGER» narra la historia de Digger Rockwell (Tom Cruise), el hombre más poderoso del mundo, excéntrico, envejecido y dedicado a la explotación petrolífera que emprende una frenética misión para demostrar que es el salvador de la humanidad antes de que el desastre que ha desencadenado destruya todo.

Completan el reparto el ganador del Oscar Riz Ahmed, John Goodman, la nominada al Oscar Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg y el nominado al Oscar Jesse Plemons. La película está producida por Iñárritu, la nominada al Oscar Mary Parent y Tom Cruise, y cuenta con Joshua Grode como productor ejecutivo.

Junto a Iñárritu detrás de las cámaras se reúnen varios colaboradores habituales, entre ellos el director de fotografía ganador del Oscar Emmanuel Lubezki; los montadores Conor O’Neill y el ganador del Oscar Stephen Mirrione; la diseñadora de vestuario nominada al Oscar Jacqueline West; el diseñador de maquillaje y peluquería ganador del Oscar Alessandro Bertolazzi; y la directora de casting nominada al Oscar Francine Maisler. También participan el diseñador de producción ganador del Oscar Dennis Gassner y el diseñador de producción Richard Johnson, el diseñador de prótesis de maquillaje ganador del Oscar Kazu Hiro y el compositor Cosmo Sheldrake.

Warner Bros. Pictures presenta una producción de Legendary Pictures, rodada íntegramente en VistaVision para poder ser proyectada también en salas IMAX ®. La distribución correrá a cargo de Warner Bros. Pictures.

Es una película arriesgada y controvertida de comedia negra en forma de sátira destinada al público adulto que pone de manifiesto como el poder es acaparado en una sola persona capaz de organizar un desastre ambiental mundial que conduzca al abismo al resto de los habitantes del planeta sin posibilidad de retorno y que es capaz de crear un relato para erigirse en el salvador del mundo. En los momentos actuales, sin duda, nos invita a reflexionar sobre en manos de quien estamos y que hacemos para evitarlo antes de que sea demasiado tarde.

Destaca el original guion, la fotografía, los efectos especiales, la puesta en escena mediante la representación teatral y la excelente interpretación de Tom Cruise en el personaje de Digger en un nuevo registro desconocido aunque con la presencia de diálogos demasiados extensos y estridentes. ¿Qué desastre medioambiental ha provocado a la humanidad el poderoso Digger? ¿Quién será el encargado de solucionar la catástrofe ocasionada por el poderoso Digger?

Si quieres conocer esta original historia de desastre climático, no te puedes perder esta película que se estrena en los cines y salas IMAX ® el viernes 2 de octubre.

VALORACIÓN: 4/5

Crítica de Ramón Redondo

«LUCKY STRIKE» es un largometraje perteneciente a los géneros de thriller, bélico, acción y drama, escrito por Marc Frydman y Rod Davis Lurie quien, también, lo ha dirigido. «LUCKY STRIKE» narra la historia del capitán Castle (Scott Eastwood) perteneciente al ejército estadounidense que se encuentra combatiendo durante la II Guerra Mundial en la brutal Batalla de las Ardenas. El capitán Castle se encuentra junto con sus soldados realizando la misión de colocar explosivos en una zona de paso que impida el avance de las tropas alemanas cuando se ven sorprendidos por el ataque de unos francotiradores y la llegada de
un convoy de soldados nazis.

En el enfrentamiento, el capitán Castle es el único que consigue escapar con vida aunque gravemente herido y tiene que luchar por sobrevivir detrás de las líneas enemigas en la Bélgica devastada. Aislado y obligado a afrontar unas condiciones extremas de un duro invierno, debe de confiar en su ingenio, su entrenamiento militar y una radio dañada como su única esperanza para evadir las tropas enemigas que lo buscan.

Mientras enfrenta el peligro constante, su objetivo es desesperadamente restablecer contacto con su unidad antes de que sea demasiado tarde. Para ello, tendrá que conseguir ir avanzando hasta el punto de encuentro Elsenborn que se encuentra a 30,5 kilómetros caminando sin ningún tipo de ayuda. Completan el reparto Taylor John Smith en el personaje Bellingham, Colin Hanks en el personaje del Coronel Langers y Aunjanue Ellis-Taylor en el personaje de la Señora Caldwell.

Es una película inspirada en hechos reales destinada al público adulto que muestra una visión cercana de la crudeza de la guerra narrando la supervivencia de un soldado cuyo objetivo es conseguir volver a estar junto a su familia y, para ello, contará con una serie de aliados: una radio, la esperanza de volver a encontrarse con su mujer y su hijo pequeño, su fe en Dios, su destreza militar, la consigna de la forma de fumar una marca de cigarros por los patriotas americanos así como poner en valor el compañerismo, la responsabilidad, la humildad, la solidaridad, la justicia y el agradecimiento contada de una forma dinámica y sencilla generando situaciones de intriga y de tensión que mantiene la atención e introduce al espectador en la realidad de una guerra.

Destaca el guion, la puesta en escena, la fotografía, las diferentes secuencias de acción y la excelente interpretación de Scott Eastwood en el personaje del capitán Castle.

¿Qué y quienes serán imprescindibles para que el capitán Castle se apoye y consiga sobrevivir durante toda su travesía hasta el punto de encuentro Elsenborn? ¿Conseguirá el capitán Castle atravesar las líneas enemigas y llegar al punto de encuentro Elsenborn para poderse reunir finalmente con su familia?

Si quieres conocer esta conmovedora historia bélica inspirada en hechos reales, no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el viernes 2 de octubre.

Puntuación 4/5

Crítica de Ramón Redondo

Desde el 18 al 26 de septiembre, la 74ª edición del Festival de cine de San Sebastián abrió sus puertas a todo interesado en el tema. Eclipsados por la cara visible, esas grandes estrellas internacionales y nacionales, nos olvidamos que este Festival tiene más profundidad de lo que parece. Mueve friolera de 160.000 a 180.000 asistentes aproximadamente cada año. Pero cómo cualquier mortal queremos saber que se mueve entre sus aguas. Es aquí cuando empieza mi función.

Aquellos que tenemos el honor de llevar del cuello cordel de acreditado por el festival, no somos distintos de cualquier humano normal. Deambulamos perdidos buscando a otros acreditados como nosotros, pero de más alcurnia. Un estamento de clases que nunca terminas de comprender. La cosificación la carga hasta el propio Brad Pitt, un ya habituado en el tema. El miércoles 23 de Septiembre, presentó Heart of the Beast (2026), junto la productora de la película Olivia Hamilton y su director, David Ayer. Todas las preguntas eran destinadas al galán que a veces pasaba elegantemente a Ayer y Hamilton. Seguramente, Ayer, un experto en el género de acción y Hamilton, quién fue la que movió realmente el proyecto en sus inicios sabían soberanamente responder pero quién iba a perder la oportunidad de interactuar con Pitt. Sobre el
proyecto, se destacó la labor de Odín, el perro protagonista del film. Pitt, en su papel como productor, relató la problemática de EE.UU en levantar películas de mediano presupuesto en un mar de cine independiente y blockbuster.

Algo que un día después, repetiría Marion Cotillard en la presentación de Milo (2026), su nueva película que repite en su dirección con la directora Nicole García. Un drama sobre la maternidad, el activismo y la violencia. Cotillard debatía sobre el tema central del film: La violencia llama a la violencia. La violencia revolucionaria está incitada por otro tipo de violencia, una violencia por condición. Habló abiertamente sobre los nuevos modelos de visionado dentro de la industria y la IA: Creo que el cine tiene sus maneras de existir. Las películas peculiares tienen una mayor dificultad de salir. Pienso en Roma, yo tuve la oportunidad de verla en pantalla, soy amiga de Cuarón. Hubiera sido fantástico que otras personas lo hubieran disfrutado como yo. Aún así, también se puede disfrutar desde una pantalla más pequeña. Creo que gracias a las plataformas, esa películas peculiares, han podido salir a la luz. En lo referente a la IA, por ahora los actores hechos por IA actúan como patatas. Lo que les falta a estos actores son la experiencia de una vida. Tampoco encuentro el sentido lanzar todo lo creativo a la IA. Me da miedo que un actor hecho por IA me emocione.

Jesse Eisenberg, siempre original en sus formas, fue sólo a presentar su segundo largometraje: The debut (2026). Una comedia negra en el mundo del teatro comunitario con Julianne Moore y Paul Giamatti. Einsenberg relata como se inspiró en sus propias vivencias en los inicios de su carrera y cómo un teatro comunitario fue quién lo animó: Era tan tímido, un poco depresivo, no tenía apenas amigos y entonces, fui a un teatro comunitario y todo el mundo me acogió. Me decían, tu pelo es asombroso y eres muy gracioso, por favor, entra. Y entonces, entré en ese mundo alienígena donde todo el mundo era agradable. Sobre la elección de Moore como protagonista: Evidentemente, Moore es maravillosa pero elegí una mujer mayor porque considero que es emocionalmente más impactante ver a una mujer que ya ha pasado su vida y sabe que es su última oportunidad para cambiarla. Ajeno a The debut a Eisenberg se le preguntó sobre su no
participación en la secuela de La red social (2010), llamada The Social Reckoning, el cual aún no hay fecha de estreno. Este afirmó que aunque le encantó el trabajo que hizo con Aaron Sorkin y David Fincher, no volvería a ponerse en el papel de Mark Zuckerberg. No tengo redes, soy totalmente ajeno a ellas. Aunque la red social me tocó conocer mucho de ellas.

En el campo del documental, J.A. Bayona y Carlos Torres presentaron Más allá de la sociedad (2026) junto Eduardo Strauch, superviviente del accidente de los Andes, Estela Pérez del Castillo, familiar de una de las víctimas, Enzo Vogrincic, actor de la Sociedad de la Nieve (2023), y Belén Atienza y Sandra Hermida, productoras del proyecto. Más allá de la sociedad es una docuserie de 3 capítulos que trata los estragos de las familias de los implicados en el accidente. Sobre cómo se llegó a la conclusión de realizar un documental después de la película, Carlos Torres afirma: Teníamos mucha información ya haciendo la Sociedad. Nos dimos cuenta que nuestra historia comienza donde termina las demás. También teníamos un punto y final dentro de esa historia que es cómo el cine puede cambiar la memoria, la ficción puede impactar la realidad. Bayona habló sobre el proceso de dolor y cómo la ficción reunió ambas partes, los supervivientes y los familiares de los que no regresaron. El dolor es una cuestión muy subjetiva, el mismo hecho provocar mucho dolor en una persona y a la otra no. Yo creo que los procesos de duelo son todos comprensibles.

El punto interesante en esta historia es que puedo haber un acercamiento y que ese acercamiento fuera propiciado por la ficción. Gente que llevaba 50 años sin hablar sobre el tema fueran capaces de entenderse y abrazarse. Sorprendentemente, una obra pequeñita y sin grandes nombres fue quién se alzó con la ansiada Concha de oro a mejor película en esta 74ª edición: Tender Loving Care (2026). El director Mike Leigh nos cuenta la historia de Amy, una trabajadora social del servicio público de protección a la infancia, que regresa a vivir con su alegre mejor amiga, Rosie. Por su parte, Rosie, que trabaja como asistente social, se enfrenta a diario a la ira y el resentimiento de las personas a las que atiende. Leigh declaró que a sus 83 años de edad será su último film. Influenciada como otros por el glamour, dejé pasar la oportunidad de verla, aunque hubiera pases suficientes y asientos libres en los cines. Quizás no soy la persona idónea para dar lecciones de humildad. Aún así, no sigan mis pasos y vayan al cine a ver Tender Loving Care (2026).

Artículo y fotografías de Isabel Santiago Escudero

LA ISLA OLVIDADA (FORGOTTEN ISLAND) es un largometraje perteneciente a los géneros de animación, fantasía y aventuras escrito y dirigido por Joel Crawford, nominado al Oscar, junto a Januel Mercado.

En esta ocasión, los responsables de esta cinta son los famosos estudios de animación DreamWorks Animation, conocidos por sus grandes éxitos y sus enseñanzas como en que podía existir un vínculo inolvidable entre un chico y un dragón en Cómo entrenar a tu dragón, un ogro y un burro en Shrek, y un robot y un ganso en Robot salvaje.

LA ISLA OLVIDADA es una película que cuenta la historia de Jo y Raissa, dos mejores e inseparables amigas desde primaria que acaban de graduarse del instituto y ahora deben ir por caminos diferentes. En su última noche juntas, Jo y Raissa descubren un misterioso portal que las transporta a la fantástica isla de Nakali, poblada con numerosas criaturas mágicas y mitológicas que aparecían en las historias que les contaban sus familias filipinas.

Algunos de estos seres se convertirán en amigos y otros, en enemigos. Con el desafortunado, aunque bien intencionado, hombre perro Raww y un pequeño, pero fuerte grupo de amigos, Jo y Raissa lucharán contra la temida Manananggal, la criatura más aterradora de la isla. Cuando descubren que el recuerdo de su amistad es el precio que les permitirá regresar a casa, Jo y Raissa se lanzarán a una desenfrenada carrera para abandonar la isla antes de olvidarse para siempre.

Las voces de la versión original de los personajes principales están protagonizadas por la supernova H.E.R., premiada por los Grammy y los Oscar en el personaje de Jo, Liza Soberano (Lisa Frankenstein, Alone Together) en el personaje de Raissa, Dave Franco en el personaje de Raww, y la famosa cantante Lea Salonga, ganadora de un Tony en el personaje de Manananggal.

La producción corre a cargo de Mark Swift, también nominado al Oscar, quien ya colaboró con los directores en El gato con botas: El último deseo. Es una película de entretenimiento familiar asombrosa y emotiva apta para todos los públicos en la que destaca el guion, la imaginación, los personajes, la música, el colorido y
los efectos visuales de animación que nos invita a reflexionar sobre la importancia de los recuerdos y el valor de la verdadera amistad por encima de cualquier desencuentro.

¿Qué precio tendrán que pagar Jo y Raissa para poder abandonar la isla antes de olvidarse para siempre? ¿Luchará Raissa con todas sus fuerzas para no perder la amistad de su mejor amiga Jo?

Si quieres conocer como acaba esta historia de animación sobre el valor de la verdadera amistad no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el viernes 25 de septiembre.

Puntación 4/5

Crítica de Ramón Redondo

El pasado miércoles 16 de septiembre, asistimos a la representación teatral de SIX, EL MUSICAL en el teatro Gran Vía de Madrid en la que también pudimos contar con la presencia de sus autoras Toy Marlow y Lucy Moss que dedicaron unas palabras al público asistente.

La presentación de SIX, EL MUSICAL, corrió a cargo de Julia Gómez Cora (Productora de SIX, EL MUSICAL), quien relató el contenido del musical, el reconocimiento de sus premios, presentó a sus creadoras Toy Marlow y Lucy Moss, y especialmente el propósito del musical destacando de su intervención las siguientes palabras: «El Musical, tiene un propósito y es darle voz a unas mujeres que no la tuvieron». «Fueron muy valientes y muy originales al plantear ¿Qué pasaría si las seis mujeres de Enrique VIII, vivieran hoy y que dirían?» «Estas mujeres a las que les cortaron la cabeza hoy reviven para contarnos su historia y para contarnos que la historia siempre tiene dos lados.»

Tras conquistar Londres, Broadway y a millones de espectadores en todo el mundo, llega SIX, EL MUSICAL, a Madrid un nuevo reinado por primera vez y solo por una temporada limitada hasta el 8 de noviembre de 2026.

SIX, EL MUSICAL es una electrizante reinterpretación de las vidas de las seis reinas Tudor que te hará perder la cabeza. Las seis ex-esposas del famoso monarca inglés Enrique VIII – Catalina de Aragón, Ana Bolena, Juana Seymour, Ana de Cléveris, Catalina Howard y Catalina Parr, reimaginadas como una girl band, compiten entre ellas en una batalla musical para decidir quién recibió el peor trato por parte de su ex-marido.

El resultado: un concurso de divas con solos y números grupales deslumbrantes. A golpe de micrófono y con números llenos de ritmo, ironía y carisma, las reinas de SIX toman el escenario para recuperar sus coronas y reescribir su historia.

SIX, EL MUSICAL, en pocos años, ha pasado de ser una pequeña producción de festival a convertirse en un fenómeno musical internacional e instalarse como icono en la cultura pop. Fue creado por Toby Marlow y Lucy Moss cuando tenían solo 21 años en Cambridge, debutó en el Festival de Edimburgo en 2017 y rápidamente conquistó el West End. Desde entonces, no ha dejado de crecer, con miles de millones de reproducciones y reconocimiento internacional, incluyendo múltiples premios y dos premios Tony por Mejor Música y Mejor Vestuario.

Vibrante, irreverente y absolutamente adictivo, SIX es mucho más que un musical: es una celebración, un concierto de divas, un espectáculo pop histórico que reescribe la historia. Cada reina se reinventa con el espíritu de grandes iconos contemporáneos: de la fuerza escénica de Beyoncé a la irreverencia de Avril Lavigne, pasando por la emoción de Adele, la actitud de Nicki Minaj, el mangnetismo de Britney Spears y el talento de Alicia Keys. Acompañadas por una banda en vivo formada íntegramente por mujeres que potencia cada momento, las seis reinas brillan como auténticas estrellas del pop.

El elenco de actrices está formado por Clara Lanzani (Catalina de Aragón), Udara Zubillaga (Ana Bolena), Beatriz Santana (Juana Seymour), Liz Tatis (Ana de Cléveris), Arianna Galletti (Catalina Howard) y Alba Egilo (Catalina Parr). La banda musical está formada por las damas de compañía Sofía Kherroubi (Directora Musical), Emma Weil (Guitarra), Mónica Vicente (Batería), Iranzu García (Bajo) y Mireia Federico (Directora Musical Asistente).

El equipo creativo está formado por Ucy Moss y Jaime Armitage (Dirección), Carrie-Anne Ingrouille (Coreografía), Emma Bailey (Diseño de Escenografía), Gabriella Slade (Diseño de Vestuario), Tim Deiling (Diseño de Iluminación), Paul GateHouse (Diseño de Sonido), Tom Curran (Orquestación) y Joe Beighton (Supervisor Musical Internacional).

El equipo creativo de SIX MADRID está formado por Lindsay Mcallister (Directora Asociada), Nicole Bondzie (Coreógrafa Asociada), Jennifer Deacon-Say (Supervisora Musical Asociada), Jaimie Todd (Diseñador de Escenografía Asociado), Justín Allín (Supervisor de Vestuario), Phoebe Brazier (Supervisora de Caracterización), Charlie Smith (Diseñador de Sonido Asociado), Gara Dora (Directora Residente) y Davinia Tornero Lorenzo (Coreógrafa Residente).

Los productores ejecutivos son Vadim Ordovsky-Tanaevsky y Mariana Gómez Cora. Los productores originales son Kenny Wax, Wendy & Andy Barnes y George Stiles. Los productores son Julia Gómez Cora y Dmitry Bogachev.

La representación se desarrolla en un único escenario en el que se encuentra la banda en directo y juega con la iluminación para crear diferentes ambientes. Destaca por su agradable música, coreografía variada y sincronizada, vestuarios modernos con tintes clásicos, iluminación apropiada para diferentes momentos musicales, guion original y atrevido, diálogos extensos pero bien ejecutados, voces bien entonadas y sonido de concierto apropiado para la sala del teatro así como las excelentes interpretaciones de sus seis reinas protagonistas.

SIX, EL MUSICAL es una obra destinada a un público mayor de nueve años de edad, ágil, dinámica y atrevida dónde podrás disfrutar de un buen concierto musical siendo nuestra valoración muy buena y desde LE JOURNAL DU FILM les deseamos que continúen acumulando éxitos en sus funciones durante su reinado en Madrid. ¿Conseguirán las reinas recuperar sus coronas y reescribir su historia?

Si quieres conocer la reinterpretación electrizante de la historia de seis mujeres reinas con este musical y te atreves a perder la cabeza, no te puedes perder este estreno en el Teatro Gran Vía de Madrid.

Artículo de Ramón Redondo

El pasado viernes 18 de septiembre, pudimos asistir al pase gráfico que se celebró en el Teatro Calderón de Madrid, teatro donde se representarán las funciones de LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL desde el 24 de septiembre hasta el 29 de noviembre de 2026, con la representación de dos números musicales

Sebastián Prada, Director Asociado de la obra teatral LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL fue el encargado de realizar la presentación desgranando el contenido y la esencia de esta comedia musical: LA FAMILIA ADDAMS es un musical que lo que hace es reírse de los musicales como filosofía de la familia, primero, reírnos de nosotros mismos. Hay cantidad de referencias a distintos musicales a lo largo del espectáculo. Todo el tiempo se están haciendo bromas, guiños y referencias a distintos musicales y se invita a los espectadores a descubrir cuantas referencias y que musicales.

En el primer número musical representado durante el pase gráfico, se presentó a la Familia Addams al completo junto con los ancestros. «Los ancestros son estos personajes que les acompañan durante toda la obra y ayudan a contar esta historia». En el segundo número musical representado, se presentó a Miércoles enamorada que desde su habitación en la Mansión Addams cuenta lo que siente y como ha cambiado su forma de pensar, su forma de ver el mundo y a sus padres que la están escuchando desde el invernadero que tiene la casa en la planta baja.

«Este número musical es un momento clave en la obra ya que Miércoles no es la niña que hemos conocido sino que es la joven que ha descubierto la vida y al descubrir la vida se enamora». Pero que es el amor para la Familia Addams. Miércoles se encuentra totalmente perdida en esta sensación porque nunca la había sentido y es muy distinto a lo que una familia está acostumbrada a vivir entre sombras, depresión y el amor a su manera. Miércoles se ha enamorado de Lucas Beineke que es de una familia súper conservadora norteamericana y el problema surge en cómo juntar a las dos familias para que se lleven bien porque no solo están enamorados sino que se quieren casar.

Miércoles y Lucas intentan hablar con sus familias para que sean normales. En dos familias tan opuestas que es la normalidad y que es lo que puede suceder cuando estas familias se encuentran.

A partir de ahí comienza el espectáculo. Miércoles está enamorada. Nos invita a reflexionar sobre la importancia de aceptarnos a nosotros mismos. Habla de que es la normalidad que es lo que está bien y lo que está mal. A veces, lo que damos por hecho no es necesariamente lo correcto. Contado con mucho humor.

Un humor delirante. La gente va a reírse sin parar desde el inicio hasta el fin de la obra. LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL, muestra a Miércoles enamorada y no de cualquier criatura oscura y atormentada, sino de un chico absolutamente normal. Lo que en otra familia podría resolverse con una cena incómoda, en la familia Addams se convierte en una auténtica apocalipsis doméstica. La noticia sacude los nacimientos de la mansión y obliga a todos —vivos, muertos y orgullosamente excéntricos— a enfrentarse a algo mucho más inquietante que la oscuridad: la normalidad.

Porque, más allá del humor negro y las situaciones imposibles, la historia habla de algo profundamente reconocible: la familia, el amor adolescente y la necesidad —a veces desesperada— de ser aceptado tal y como uno es. Incluso si uno es un Addams. El elenco de actrices y actores está formado por Natalia Millán (Morticia), Javier Navares (Gómez), Cristina Picos (Miércoles), Javier Blázquez, Darío Moncloa y Nacho Aguado (Pugsley), Omar Calicchio (Tío Fétido), Amparo Saizar (Abuela), Javier Canales (Lurch), Pepa Lucas (Alicia Beineke), Javier Enguix (Mal Beineke) y Juan Antonio Plazas (Lucas Beineke).

El equipo creativo está formado Federico Bellone (Director), Julio Awad (Director Musical), Sebastián Prada (Director Asociado), M. José Santos de Dios (Coach Vocal), Marta Melchiorrre (Coreógrafa), Valerio Tiberi (Diseño Iluminación), Poti Martín (Diseño de Sonido) y Romeo Urbano (Adaptación al castellano del libreto).

En la representación de los números musicales hay que destacar la extraordinaria puesta en escena con efectos especiales de humos, iluminación, sonido y decorados especialmente la Mansión de la Familia Addams con un gran equipo técnico así como las excelentes interpretaciones de Natalia Millán (Morticia), Javier Navares (Gómez) y Cristina Picos (Miércoles), y la orquesta que la acompaña dirigida por Cosa, la inconfundible mano de esta familia tan especial.

La impresión de esta nueva comedia musical LA FAMILIA ADDAMS, EL MUSICAL, de la mano de LETSGO y BEON ENTERTAINMENT, promete una muy buena puesta en escena y desde LE JOURNAL DU FILM les deseamos un buen éxito en sus funciones. ¿Conseguirán Miércoles y Lucas la normalidad de ser aceptados en las dos familias?

Si quieres conocer una nueva historia de esta peculiar familia así como disfrutar de una divertida y delirante comedia musical muy poco convencional en familia, no te puedes perder este estreno en el Teatro Calderón de Madrid.

Artículo de Ramón Redondo