«FURIOSA» está dirigida por el ganador del Premio de la Academia George Miller y supone el esperado regreso del director al distópico mundo que creó hace más de 30 años con las películas de «Mad Max». Miller regresa para contar los orígenes del personaje que da titulo a la película, Furiosa, y que Charlize Zeron convirtió en icónico en «Mad Max: Furia en la carretera», película que obtuvo seis premios Oscar.

«FURIOSA» está protagonizada por Anya Taylor-Joy en el papel principal y Chris Hemsworth interpretando a Dementus, el villano de la historia. El reparto también cuenta con Alyla Browne interpretando el mismo personaje que Taylor-Joy en su etapa infantil. Mención especial merece Tom Burke, actor reconocido en el mundo del cine independiente y que interpreta aquí al personaje que más se parece al clásico Max de las películas originales.

Tras la caída de la civilización, el mundo se ha convertido en un Páramo seco y desértico. La joven Furiosa vive en el Lugar Verde de Muchas Madres escondida de la locura de violencia en que se ha convertido el mundo. Tras ser raptada, Furiosa cae en manos de una Horda de Motoristas liderada por el Señor de la Guerra Dementus. Estos se topan con la Ciudadela, presidida por Inmortan Joe. Mientras los dos Tiranos luchan por hacerse con el poder, Furiosa deberá encontrar la forma de volver a casa.

«FURIOSA» está escrita por Miller y Nico Lathouris, con quien ya escribió la anterior entrega. El guion se aleja de la estructura de persecución de aquella para abarcar los aproximados veinte años que dura la historia de Furiosa. Dividida en episodios, la trama tiene partes de un ritmo frenético salpicada con pequeños respiros para no agotar al espectador.

La sencilla trama de venganza tiene ligeros fallos de lógica narrativa (en los que no entraré para no caer en spoilers). Sin embargo, Miller no parece estar tan interesado en ello sino más bien en crear set-pieces de acción con momentos de una épica visual casi siempre digna de la anterior entrega.

Y digo “casi”, porque donde la anterior deslumbraba con su férrea apuesta por los efectos prácticos, en esta se aprecia un abuso de lo digital que en ocasiones entorpece el visionado. Sin embargo, la maestría de Miller en la creación de imágenes y significados a través de la puesta en escena consigue que el espectador perdone esos pequeños detalles.

Y lo consigue gracias al equipo técnico que le rodea. El director de fotografía Simon Duggan («Hasta el último hombre) y el compositor de la épica banda sonora de la anterior entrega Tom Holkenborg. También repiten quienes ganaron un Oscar por su trabajo en “Mad Max: Furia en la carretera”: el diseñador de sonido Robert Mackenzie, el diseñador de producción Colin Gibson, la montadora Margaret Sixel, el mezclador de sonido Ben Osmo, la diseñadora de vestuario Jenny Beavan y la diseñadora de maquillaje Lesley Vanderwalt.

La acción despliega un arsenal de peleas, tiroteos y enfrentamientos cuerpo a cuerpo con todo tipo de armas. Desde navajas hasta lanzallamas y, por supuesto, coches. Porque en el universo de «Mad Max», los vehículos no sirven sólo para desplazarse, sino que se utilizan como armas también. Y los hay de todo tipo: motos, excavadoras, grúas, camiones, parapentes y los enormes “monster trucks”.

La acción, desde luego, no decepciona. Y sus casi dos horas y media no se hacen largas gracias no solo al espectáculo visual, sino también a las grandes interpretaciones.

ATaylor-Joy no le hacen falta más de treinta líneas de diálogo. Su personaje, al que llegan a llamar “la quinta jinete del apocalipsis”, se basta con la mirada para transmitir todo lo que su personaje debe transmitir.

Si os gusta la acción, no os perdáis «FURIOSA» en cines a partir del 24 de Mayo.

Puntuación 4/5

Crítica de POL Sánchez

«UNA MUJER ITALIANA (CABRINI)» es un largometraje perteneciente al género del drama escrito por Rod Barr. y dirigido por el cineasta Alejandro Monteverde («Sound of Freedom»,»Little Boy», «Bella»).

«UNA MUJER ITALIANA (CABRINI)» es una película que cuenta la historia de una inmigrante italiana, Francesca Cabrini (Cristiana Dell’Anna), que llega a la ciudad de Nueva York en 1889
y es recibida por enfermedades, crimen y niños empobrecidos.

Cabrini emprende una audaz misión para convencer al hostil alcalde de que garantice vivienda y atención médica para los más vulnerables de la sociedad. Con un inglés deficiente y mala salud, Cabrini usa su mente emprendedora para construir un imperio de esperanza como nunca antes había visto el mundo.

El film es un drama de época ambientado en la ciudad de Nueva York a finales del siglo XIX basado en hechos reales, que se sumerge en la vida y legado de la religiosa italoamericana Francesca Cabrini quién dedicó su vida a los más vulnerables y desfavorecidos.

Cabrini fundó la congregación de las Misioneras del Sagrado Corazón de Jesús en el siglo XIX, fue nombrada Patrona de los Inmigrantes, y primera ciudadana estadounidense en ser canonizada por la Iglesia Católica.

La cinta que se estrenó el pasado 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, llegó a más de 2600 cines de Estados Unidos.

Completan el reparto de actores John Lithgow, David Morse , Giancarlo Giannini  y Federico Castelluccio.

UNA MUJER ITALIANA (CABRINI) es una película dramática destinada al público adulto que aborda la discriminación de los emigrantes y de la mujer en la sociedad.

Destaca la extraordinaria ambientación, el maravilloso tema musical «Dare to be» interpretado por Andrea Bocelli y Virginia Bocelli, la impresionante historia real de una mujer incansable e ingeniosa en su lucha por los más desfavorecidos así como la magistral interpretación de Cristiana Dell’Anna. Además, de hacer una llamada a la reflexión sobre la injusticia social patente en nuestra sociedad y que continúa en la actualidad.

¿Acabará Cabrini rindiéndose ante las hostilidades y negativas de los más poderosos? ¿Conseguirá Cabrini superar los interminables obstáculos para combatir la pobreza?

El preestreno de «UNA MUJER ITALIANA (CABRINI)» celebrado el pasado 8 de mayo, contó con la presencia del director Alejandro Monteverde, con una ovación de los asistentes y al que tuvimos la ocasión de felicitar personalmente por esta extraordinaria película.

Si quieres conocer como acaba esta historia dramática basada en una historia real no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el viernes 10 de mayo.

VALORACIÓN: 5/5

Crítica de Ramón Redondo

«MEMORY» es la nueva película del director y guionista Michel Franco. El cineasta es un habitual de festivales como Cannes, donde ha participado en diferentes secciones con sus películas, entre ellas “Después de Lucía” (2012).

«MEMORY» está protagonizada por Jessica Chastain («Los ojos de Tammy Faye”, “Interstellar”) y Peter Sarsgaard («El precio de la verdad», «An education”). Cuenta la historia de Sylvia (Chastain), una trabajadora social que lleva una vida sencilla y estructurada: su hija, su empleo y sus reuniones de Alcohólicos Anónimos. Sin embargo, su vida dará un vuelco cuando, tras una reunión de antiguos alumnos del instituto, Saul (Sarsgaard) la sigue a casa. Este inesperado reencuentro tendrá profundos efectos en la vida de ambos y abrirá la puerta a su pasado.

La película se presentó en la pasada edición del Festival de Venecia, donde ganó la Copa Volpi al Mejor Actor para Peter Sarsgaard. Su interpretación y la de Jessica Chastain son sin duda el pilar sobre el que se fundamenta una película que habla, como su título en inglés indica, de la memoria.

Ella lidia con las duras consecuencias de recordar su traumático pasado. Él, con el dolor de empezar a olvidar por culpa de la demencia. Todos los personajes que les rodean, en especial la familia de la protagonista, lidian con la memoria del pasado: su hermana intentando entender, su madre incapaz de aceptar lo ocurrido y su hija, casi incapaz de crear recuerdos por la exagerada protección de su madre. Y sin embargo, ella es la persona que más apoya a su madre.

Junto a Jessica Chastain y Peter Sarsgaard, completan el reparto Brooke Timber, Merritt Wever, Elsie Fisher, Josh Charles y Jessica Harper. Todos ellos son miembros de las familias de los protagonistas y refuerzan los temas centrales de la película.

El guion, escrito por el propio Franco, nos sumerge primero en la vida de Sylvia, presentando al personaje como alguien que desconfía de los hombres. Así que cuando el personaje de Saul la sigue a casa tras una reunión de antiguos alumnos de su instituto, el espectador inmediatamente desconfía de él.

A partir de ahí, la estructura desgrana la relación entre ellos, descubriendo elementos de su pasado y su presente que van cambiando la perspectiva del espectador sobre su relación. Y aunque las familias de ambos personajes parecen no aceptar en lo que se están convirtiendo el uno para el otro, el espectador empieza a entender que la película trata, en última instancia, sobre dos personas que se sienten rotas y que podrían encontrar la cura a su dolor la una en la otra.

«MEMORY» se estrena en cines el 21 de Junio.

Puntuación 3,5/ 5

Crítica de POL Sánchez

«GARFIELD: LA PELÍCULA» (THE GARFIELD MOVIE) es un largometraje perteneciente a los géneros de animación, comedia y aventuras escrito por Paul A. Kaplan, David Reynolds y Mark Torgrove, y dirigido por el cineasta Mark Dindal.

«GARFIELD: LA PELÍCULA» es una cinta que cuenta la historia del mundialmente famoso gato naranja Garfield desde que era un cachorro. Garfield convive con su padre el gato Vic en la calle pero un día su padre se va a buscar comida y cuando regresa Garfield ha desaparecido.

Garfield, se encuentra hambriento y al ver que su padre no regresa decide salir a buscar comida. En el restaurante cercano se encuentra cenando Jon quien a ver al cachorro Garfield le da de comer y acaba acogiéndole en su casa. Cuando Vic regresa y ve que Garfield se va con Jon piensa que estará mejor atendido.

Garfield se convierte en el rey de la casa de Jon siendo el gato más perezoso, sarcástico y comilón al que le encanta la lasaña y la pizza en cantidades industriales con una vida acomodada en la que convive con su amigo el perro Odie y con Jon al que le llama el becario.

El inesperado reencuentro entre Garfield y su padre cambiará todo ya que están a punto de vivir una aventura callejera debido a que se verán forzados a abandonar su zona de confort para participar en un hilarante y muy arriesgado atraco propuesto por Vic enfrentándose a la villana y vengativa gata Jinx.

«GARFIELD: LA PELÍCULA» es una película de entretenimiento familiar destinada a todos los públicos y especialmente al infantil a través de una alocada comedia de acción y aventuras que se desarrolla durante el atraco.

En el reparto de doblaje han participado Santiago Segura en la voz de Garfield, Olvido Gara (Alaska) en la voz de Jinx y Pepe Rodríguez (Masterchef) debutando en la voz de uno de los matones.

Destaca el extraordinario doblaje de la voz de Garfield a cargo de Santiago Segura aunque el humor podría ser más abundante y el ritmo más dinámico ya que su lentitud hace que, en ocasiones, el espectador pierda el interés.

Además, de hacer una llamada a la reflexión sobre la importancia de compartir la vida con nuestros seres queridos así como la entrega del amor incondicional de los padres a los hijos y su correspondencia. ¿Qué dificultades se presentarán en el atraco? ¿Volverán Garfield y su padre Vic a estar siempre juntos?

Si quieres conocer como acaba esta historia de animación, comedia y aventuras no te puedes perder esta película que se estrena en los cines el miércoles 1 de mayo.

VALORACIÓN: 3/5

Crítica de Ramón Redondo

<<NINA>> es un largometraje perteneciente al género de western y thriller. Dirigida y escrita por Andrea Jaurrieta (Ana de día) la película ha participado en los laboratorios de Torino Feature Lab, Residencias Academia de cine de España, New Horizons Studio+, Atlántida Film Fest y Abycine Lanza, entre otros. Producida por Bteam Pords (Las niñas), Icónica Producciones (El autor), Irusoin (La trinchera infinita) y Lasai Producciones (Ana de día).

Inspirada en la obra teatral “La gaviota” de Antón Chéjov, <<NINA>> nos cuenta una historia de venganza y regreso al pueblo. Nina (Patricia López Arnaiz) decide volver al pueblo costero donde creció, con una escopeta en el bolso y un objetivo: vengarse de Pedro (Darío Grandinetti), un famoso escritor al que el pueblo rinde ahora homenaje. El reencuentro con su lugar de origen, con sus recuerdos del pasado y con Blas, un amigo de la infancia, le hará replantearse si la venganza es su única opción.

Completan el reparto de actores y actrices: Aina Picarolo (La casa entre los cactus), Iñigo Aranburu (Los Europeos), Mar Sodupe (La Caza) y Ramón Agirre (Amor).

Con un ritmo pausado y flashbacks bien integrados entre el presente y el pasado en <<NINA>> nos cuentan una cruda realidad; esas violaciones a voces que todos sabían y que nadie decía porque “eran otros tiempos”.

Es curioso como el ambiente tenso de la película rebosa una culpabilidad que Nina, la protagonista, no es capaz de identificar por su fuerte trauma. Nada más llegar ve como glorifican a su violador a pesar de que todos saben lo que hizo. La víctima es la que se esconde de la mirada del agresor y cuando intenta enfrentarlo, los mismos que han apartado la mirada y que la compadecen, le aconsejan que lo mejor es dejarlo estar.

Un reflejo de los muchos casos que se pueden encontrar en la actualidad, con la diferencia de que Nina va a por todas con su escopeta en el bolso y su aire de femme fatale.

Especial mención a la actuación de Aina Picarolo la actriz que interpreta a Nina joven, para ser su primer papel protagónico, brilla por si sola con una actuación que te sumerge en la inocencia del primer amor.

¿Conseguirá Nina su venganza? Averígualo el 10 de mayo de 2024 en cines.

Valoración: 3/5

Crítica de Susana Martínez

<<Rivales>> el drama romántico de la temporada, dirigido por Luca Guadagnino (Call Me by Your Name, Bones and All, Suspiria, Cegados por el sol) con guion de Justin Kuritzkes. La película está producida por Amy Pascal, Guadagnino, Zendaya y Rachel O’Connor, con Bernard Bellew como productor ejecutivo.

<<Rivales>> nos cuenta la historia de Tashi Duncan (Zendaya) una tenista estrella que destaca por tener un gran orgullo y nunca pedir perdón, ni dentro ni fuera de la pista. En uno de sus campeonatos conocerá a; Patrick Zweig (Josh O’Connor) y Art Donaldson (Mike Faist) prometedoras promesas del tenis y amigos de la infancia. Los dos quedan prendados de ella pero… a Tashi solo le importa el tenis ¿Cuál de los dos será el mejor?.

Lo primero que te llama la atención en <<Rivales>> es el increíble elenco que protagoniza la película, Globo de Oro y BAFTA son solo algunos de los premios que salen cuando buscas sus nombres. Lo segundo es que este drama romántico con toques de humor no va de tenis. El verdadero partido que se juega aquí es la tensión sexual entre los tres protagonistas.

El personaje de Zendaya lo tiene todo, es guapa, es la mejor y la fama ya le está tocando a la puerta. No es de extrañar que se sienta como dios cuando las dos prometedoras estrellas del tenis masculino van detrás de ella. Tashi solo quiere lo mejor por lo que los hace competir por ella. Podría ser el clásico trio amoroso si no fuera porque claramente hay un favorito y el otro solo es un entrometido.

Desde el principio queda claro que el personaje de Josh O’Connor es el mejor tenista, el que tiene más carisma y el que se lleva a las chicas de calle. Pero también tiene orgullo y no va a ceder por Tashi. Por otra parte el personaje de Mike Faist solo la quiere a ella, el tenis le importa, pero no lo suficiente como para ser el mejor.

Los movimientos en el tiempo entre el pasado y el presente es lo que hace interesante la película, porque te siembra la duda de cómo ha acabado siendo Art el mejor jugador de tenis, Patrick un fracasado y Tashi una entrenadora, que una vez fue una promesa, que no llegó a nacer.

Hay que destacar la fotografía y sobre todo las actuaciones, que son sin duda lo que sube de categoría la película.

¿Qué ganara en este partido? ¿La obsesión o la pasión? Descúbrelo el 26 de abril de 2024 en cines.

Valoración: 3’5/5

Crítica de Susana Martínez

«IMMACULATE» es una película que forma parte de un subgénero que parece estar de moda en los últimos años: el terror con monja en convento mal-rollero. Al igual que con las dos partes de “La Monja”, “Hermana Muerte” o incluso “Saint Maud”, partimos de una serie de imágenes y una atmósfera mal sana para contar la historia de la protagonista.

Sydney Sweeney interpreta a la hermana Cecilia, una monja de Estados Unidos que llega a un convento en la campiña italiana, invitada por el Padre Tedeschi, al que interpreta Álvaro Morte. Su estancia, por supuesto, se convierte pronto en una pesadilla de la que no va a ser fácil escapar.

«IMMACULATE» se sostiene en la entrega de Sydney Sweeney al personaje. La actriz ya ha demostrado en “Euphoria” que puede ser un portento de la interpretación. En películas como “Cualquiera Menos tú” que tiene tirón en taquilla y con “Reality” y “Los Voyeurs” que tiene una magnética presencia en pantalla. Esta última película, por cierto, dirigida por Michael Mohan, quien también la dirige en la película que nos ocupa.

Y se nota la confianza que la actriz deposita en el director y en el personaje de Cecilia, de forma similar a cómo Mia Goth se entrega en cuerpo y alma a los personajes que Ti West escribe para ella en la trilogía de “Maxxxine”. Sweeney interpreta con la misma convicción la inocente y dulce devota que es en el primer acto y la visceral luchadora en que se convierte al final.

Por desgracia el guion de Andrew Lobel cae en tópicos del género de terror ya demasiado vistos y desgrana los misterios que esconden el convento y sus catacumbas de forma correcta pero nada novedosa.

Le hubiera venido muy bien a la película ir un poco más allá. Los ingredientes estaban sembrados en el primer y segundo acto para llevar la película a un terreno arriesgado y rompedor. Ojo, que el final no es nada convencional, en cuanto a la decisión de la protagonista en los últimos segundos de metraje. Pero el clímax se queda lejos de lo épico que podría haber resultado con todos los ingredientes que estaban planteados.

Aquí es donde la mano de Mohan en la dirección se me antoja esencial para que la película funcione y no se desplome. Gracias a la fotografía de Elisha Christian, el arte de Francesco Scandale y la música de Will Bates, el director consigue crear una atmósfera envolvente, inquietante y bella a partes iguales.

La puesta en escena parece estar al servicio del lucimiento de Sydney Sweeney. Arropada por la austeridad de las hermanas, envuelta en las sombras de interminables pasillos, bañada por la dorada luz de una vela, iluminada cual santa por la iluminación de la capilla o sucia y salvaje durante el sangriento final.

Los que busquéis sustos los vais a encontrar. No son rompedores pero funcionan de maravilla en una sala rodeados de espectadores. Al igual que los momentos de sangre y gore, que los hay y que causarán que algunos espectadores se contraigan de dolor.

Pero al final, la película se sostiene en Sydney Sweeney, en su magnetismo en pantalla y la descomunal garra con la que afronta el último tramo de la película. Sólo por ella, merece la pena ir al verla.

«IMMACULATE» se estrena en el 1 de Mayo en cines.

Puntuación 3,5/5

Crítica de Pol Sánchez

La nueva película de Alex Garland bien podría ser la última. En palabras del cineasta y, dejando a un lado una posible futura colaboración con Ray Mendoza – el jefe de especialistas de la cinta que aquí nos ocupa-, éste podría ser el testamento cinematográfico como director de un novelista reconvertido en guionista de la mano de Danny Boyle allá por 2002.

La película con la que dio comienzo ese idilio fue nada más y nada menos que la seminal 28 días después, y se trata de un film con el que «Civil War» guarda no pocos paralelismos.

La historia se centra en una fotógrafa de guerra interpretada por Kirsten Dunst, que emprende un viaje acompañada de su colega periodista (Wagner Moura), de un viejo amigo, y de una chica que parece querer seguir sus pasos. Juntos atravesarán un terreno hostil regado por las consecuencias de una distópica Guerra Civil ocurrida en Estados Unidos con el fin de llegar a la Casa Blanca antes de que ésta sea tomada por los ejércitos rebeldes.

La premisa, lejos de resultar sugerente en un primer momento, pronto acaba expandiéndose hasta llegar a una dimensión mucho más hipnótica que las anteriores propuestas de Garland. Tomando como base una idea sencilla y, sirviéndose de un montaje que alterna momentos musicales más convencionales con escenas contemplativas muy sugerentes, la película acaba dejando un enorme poso en un descenso a los infiernos que se va rumiando poco a poco y que te acaba atrapando gracias a un tempo sostenido que culmina en unos electrizantes fuegos artificiales finales.

El uso del sonido resulta especialmente llamativo en estos tiempos de ruido, puesto que destaca de una manera inesperada y consigue crear un estado de trance. En primera instancia sorprende la manera en que suenan los disparos, cuya melodía parece reinventada de la misma manera que en su momento los golpes en la cara de «El club de la lucha» (David Fincher, 1999). Para rematar, este hallazgo se lleva a otro nivel en la escena de los helicópteros despegando rumbo a la Casa Blanca, en un instante que remite de forma clara a los momentos más lisérgicos de «Apocalypse Now» (Francis Ford Coppola, 1979).

La historia avanza, pues, en una dirección donde es cada vez más fácil despegarse de lo físico y acabar cayendo en un estado mental. El clímax sitúa al espectador en el territorio de la abstracción, incluso en ocasiones del videojuego, pero sin renunciar a momentos de puro cine, quizás los más notables en la filmografía del autor. Con ecos lejanos de 1997: «Rescate en Nueva York» (John Carpenter, 1981), la espiral de violencia final conduce a la que sin duda es el broche de oro a una filmografía irregular que jugaba sus mejores bazas en el terreno narrativo. Aquí, un personaje pasará el testigo a otro que inmortalizará su muerte a través del objetivo de su cámara, en un ejercicio con no pocas similitudes con la desaparición del personaje de Will More en «Arrebato» (Iván Zulueta, 1979).

Mención aparte merece una cierta vuelta de tuerca a los roles de género, que se salda con un personaje masculino interpretado por Moura, el periodista que aquí parece tender puentes con la joven protagonista desde un estadio inicial, estableciendo un vínculo que se desarrolla a través de varias conversaciones a solas, mientras que el trato más rudo y áspero es proferido por el personaje de Dunst, que aquí interpreta a un personaje infranqueable en busca de redención.

La actriz ha conseguido su papel más esmerado desde su gloriosa colaboración de Lars Von Trier, y construye un personaje del que queremos saber más. Apenas sí atisbamos resquicios de lo que ha vivido en su dilatada carrera. Pero con eso es suficiente. La aparición de Jesse Plemons, a la postre, marido de Dunst en la vida real, supone uno de los momentos más inquietantes y absurdos del film, y parece remitir a otro personaje estrafalario que se deja caer por otra película muy hermanada con esta, el de Peter Mullan como el loco Syd en «Hijos de los hombres» (Alfonso Cuarón, 2006).

La fotografía de Rob Hardy consigue resignificar un cine digital cuyos hallazgos parecen estancados a través de unos planos generales con fondos profundamente enfocados. Sin duda, es capaz de encontrar la belleza en una suciedad estética que en ocasiones nos hace recordar aquel primer contacto con el cine de Garland que supuso una película visualmente tan rockanrolera como «28 días después».

En resumen, Garland nos ha brindado una película que oscila entre lo ligero y lo contemplativo, pero todo bajo el signo de un halo de droga dura cuyos efectos se sienten progresivamente hasta llegar a un punto de no retorno. Esperemos que su cacareada retirada del cine sí tenga marcha atrás.

«Civil War», llega a los cines el próximo 19 de abril.

Puntuación: 3’5

Crítica de Sergio Román

«ABIGAIL» es la última película de Radio Silence, el dúo formado por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, responsables de éxitos como «Noche de bodas» y las dos últimas entregas de «Scream».

Ojalá viviéramos en un mundo donde poder ver películas como esta sin saber los giros que esconde el guion porque ver esta película sin saber del todo qué vas a ver sería una gozada. La historia cuenta cómo una banda de delincuentes secuestra a una bailarina de 12 años, hija de un poderoso capo del hampa y debe esperar en una mansión con ella durante 24 horas para cobrar un rescate de 50 millones de dólares.

Si tienes la suerte de no saber nada más y te gusta el cine de género, en especial las anteriores películas de Radio Silence, te recomiendo que dejes de leer, vayas al cine y la disfrutes. Y después puedes volver por aquí y seguir leyendo.

Si ya sabes quién es Abigail y te preocupa que eso arruine la experiencia, no te preocupes. La película es un disfrute absoluto para fans del género. Si sigues leyendo esto doy por hecho que sabes que la niña que han secuestrado y da nombre a la película es, en realidad, una vampira.

El problema es que, sabiendo esto de ante mano, la primera parte de la película, hasta que los protagonistas descubren con quién están tratando, podría no enganchar tanto porque el espectador está esperando a que los personajes se pongan al día.

Pero el guion, escrito por Stephen Shields (“Zombie Bashers”) y Guy Busick (Scream, Noche de bodas), consigue que esa parte atrape al espectador con la descripción de personajes. A ello ayuda también un gran plantel de actores encabezado por Melissa Barrera (Scream). La acompañan Dan Stevens (Godzilla x Kong: El nuevo Imperio), Kathryn Newton (Este cuerpo me sienta de muerte), William Catlett (“Black Lightning”), Kevin Durand (X-Men Orígines: Lobezno) y Angus Cloud (“Euphoria”), a quien está dedicada la película. Destaca en el papel de la pequeña bailarina Alisha Weir («Matilda”).

Sin caer en el tópico de que la localización es otro personaje, sí que me gustaría mencionar que la mansión puede recordar a los escenarios de «Noche de Bodas», con los personajes recorriendo salas, pasillos y sucios escondites en los que se irán sucediendo las más sangrientas muertes y que le dan un aire de ratonera en la que los protagonistas quedan atrapados.

Las dinámicas que se establecen entre ellos y la forma en la que el guion desgrana poco a poco la información de quiénes son, hace que el espectador empatice con ellos a pesar de que acaban de secuestrar a una niña. Si bien existen pequeñas disonancias en el desarrollo (la amenaza de la luz solar en mitad de la noche, la fuerza de los vampiros), la película cumple de sobra su objetivo de hacer disfrutar al espectador.

«ABIGAIL» es una explosión de sangre y humor, una palomitera película de género repleta de diversión. Si te gustaron «Noche De Bodas» o las dos últimas entregas de «Scream», disfrutarás también de ésta.

«ABIGAIL» se estrena en España el próximo 19 de abril, exclusivamente en cines.

Puntuación 4/5

Crítica de POL Sánchez

«La última sesión de Freud» es una película biográfica que nos muestra a Sigmund Freud, quien al final de su vida acabó sufriendo cáncer de laringe y fue condenado al exilio tras haberse convertido en uno de los principales enemigos de Hitler por sus comentarios e ideales en contra del régimen nazi.

La película está dirigida por Matthew Brown y protagonizada por Anthony Hopkins y Matthew Goode, nos muestra lo últimos años de vida del médico y psicólogo austriaco, Sigmund Freud y su relación de amistad con el escritor británico, C.S. Lewis, conocido por ser el autor de la saga de novelas «Las crónicas de Narnia«.

«La última sesión de Freud» está basada en la obra «Freud´s Last Session» de Mark St. Germain y retrata bastante bien la ambientación de época marcada por el miedo y el horror de la Primera Guerra Mundial.

Destaca la excelente interpretación de Anthony Hopkins, en el papel de Freud que junto con las actuaciones del actor Matthew Goode, que interpreta a C.S. Lewis y la actriz Liv Lisa Fries que da vida a Anna, la hija de Freud, nos hacen viajar al pasado para adentrarnos en los pensamientos inquietantes del mítico padre del psicoanálisis.

Sin duda, es una película curiosa que nos muestra la compleja relación entre Freud y su propia hija Anna, pues hasta el mayor de los psicoanalistas sufrió sus propios traumas y problemas familiares.

Por otro lado, cabe destacar el guion por sus diálogos filosóficos y trascendentes sobre la religión, la existencia de Dios, Santa Dymphna, patrona de las enfermedades mentales, el horror de la guerra y las relaciones humanas.

Y por último, mencionar la banda sonora, la puesta en escena y el montaje en una película que mezcla elementos oníricos junto con fragmentos del pasado y del presente.

«La última sesión de Freud» llega a los cines el próximo viernes 26 de abril.

Puntuación 4/5

Crítica de Iris Redondo Sánchez